История искусства ⇐ Васина Википедия

[wiki_de]

«История искусства» относится к объектам, созданным людьми для различных духовных, повествовательных, философских, символических, концептуальных, документальных, декоративных и даже функциональных и других целей, с упором на эстетические цели. |эстетическая визуальная форма. Изобразительное искусство | Изобразительное искусство можно классифицировать по-разному, например. B. разделяя изобразительное и прикладное искусство, концентрируясь исключительно на творчестве человека или концентрируясь на различных средствах массовой информации, таких как архитектура, скульптура, живопись, кино, фотография и графика. В последние годы технологический прогресс привел к появлению новых форм искусства с использованием компьютеров (таких как видеоигры или искусство искусственного интеллекта).

Историю искусства часто рассказывают как хронологию шедевров, созданных разными цивилизациями. Поэтому ее можно представить как историю высокой культуры (социологии) | высокой культуры, воплощенной в чудесах света. С другой стороны, народные художественные выражения также могут быть интегрированы в исторические повествования об искусстве, которые называются народным искусством или ремеслами.

== История ==
Доисторическое искусство включает в себя широкий спектр произведений искусства, созданных культурами без письменности, включая некоторые из самых ранних человеческих артефактов. К первым предметам искусства относятся декоративные артефакты из Африки среднего каменного века.
Были изготовлены небольшие доисторические статуэтки, так называемые фигурки Венеры с выделенными грудью и животом. Самыми известными являются Венера Холефельса | Венера Холе Фельса и Венера Виллендорфа, которые были найдены в Германии и Австрии. У большинства из них маленькие головы, широкие бедра и суженные к концу ноги. Руки и ноги часто отсутствуют, а голова обычно маленькая и безликая.

Венера Холе-Фельс — один из многочисленных объектов, найденных в пещерах и произведениях искусства ледникового периода Швабского Альба, объекта Всемирного наследия ЮНЕСКО. Здесь были обнаружены некоторые из старейших произведений искусства человечества в виде резных фигурок животных и человекоподобных фигур, а также древнейшие из когда-либо обнаруженных музыкальных инструментов, причем артефакты датируются периодом между 43 000 и 35 000 годами до нашей эры. Будьте устаревшими.
Самыми известными произведениями доисторического искусства являются великие наскальные рисунки эпохи палеолита, изображающие животных континентальной Европы, особенно в пещере Ласко в регионе Дордонь во Франции. Известно несколько сотен украшенных пещер, относящихся к периоду верхнего палеолита (ок. 38 000–12 000 до н. э.). Есть примеры в Украине, Италии и Великобритании (островной)|Великобритании, но больше всего во Франции и Испании. Существуют различные теории о назначении этого искусства, хотя есть предположения, что оно было частью религиозных ритуалов, возможно, для достижения успеха на охоте.


== Античность ==

=== Ближний Восток ===
Древний Ближний Восток простирался от Турции и побережья Средиземного моря на западе до Ирана и Аравийского полуострова на востоке. Со временем здесь возникли, жили и исчезли многочисленные государства и культуры. В Месопотамии возник в 4-м тысячелетии до н.э. Первые города и самая ранняя форма письменности. Эта территория включала территорию нынешнего Ирака, а также части Сирии и Турции. Его северная половина является частью так называемого Плодородного полумесяца, где впервые произошли важные события эпохи неолита, такие как раннее сельское хозяйство и создание постоянных деревенских поселений. Поскольку регион расположен в плодородной дельте Тигра и Евфрата, здесь возникли многочисленные ранние цивилизации, в частности Шумер, Аккадская империя | Аккад, Ассирийская империя | Ассирия и Вавилония. Для архитектуры Месопотамии характерно использование кирпича, перемычек и конической мозаики. Яркие примеры включают зиккурат, большие храмы в форме ступенчатых пирамид.

Политические, экономические, художественные и архитектурные традиции шумеров повлияли на более поздние цивилизации. В Шумере впервые появилось много вещей: первый город-государство (Урук), которым правил царь Гильгамеш; первая организованная религия, основанная на иерархической структуре богов, людей и ритуалов; первая известная письменность и первые колесные транспортные средства. Здесь же появились и прокладки цилиндров, с небольшими надписями и иллюстрациями. Другой цивилизацией, которая развилась здесь, была Аккадская империя|Аккадская империя, первая мировая империя.

В начале I тысячелетия до н. э. В IV веке до нашей эры, после аккадцев, регионом правила империя под названием Ассирия. Города были полны впечатляющих зданий и произведений искусства. Ассирийское искусство наиболее известно своими подробными каменными рельефами, изображающими сцены из придворной жизни, религиозных обрядов, сцены охоты и эпических сражений. Эти рельефы изначально расписывались в яркие цвета и устанавливались во дворцах. Они также изображают ассирийский быт, в том числе ассирийскую одежду и мебель, а также преобладающее мировоззрение.

Позже вавилоняне завоевали Ассирийскую империю. В VI веке до н. э. В IV веке до нашей эры Вавилон стал крупнейшим городом мира. Гостей, прибывающих в Вавилон, встречали впечатляющие ворота Иштар, стены которых были облицованы ярко-синим глазурованным кирпичом и украшены рельефами драконов, быков и львов. Эти ворота названы в честь Инанны|Иштар, богини войны и любви.

Середина VI века до н.э. После серии военных кампаний Вавилонская империя пала перед империей Ахеменидов, которой правил царь Кир II и простиралась через Ближний Восток и Центральную Азию, от Египта до долины Инда. Искусство Империи объединяет элементы со всей империи и прославляет ее богатство и власть. Персеполь в Иране был столицей империи и полон впечатляющих скульптур, изображающих религиозные образы и людей империи. Здесь же находятся руины дворца с большим зрительским залом для приема гостей.

Помимо Месопотамии и Ирана, в других регионах также существовали древние цивилизации, создавшие искусство и архитектуру. Хеттская империя возникла в Малой Азии|Анатолии (нынешняя Турция). В древние времена южная Аравия была центром производства и торговли. В древние времена южная Аравия была важна для производства и торговли ароматическими веществами, принося процветание королевствам этого региона. Около 4000 г. до н.э. В IV веке до нашей эры климат в Аравии был более влажным, чем сегодня. На юго-западе возникло несколько королевств, таких как Саба (Древнее)|Саба. Южноаравийская человеческая фигура обычно стилизована на основе прямоугольных форм, но изображена очень подробно.


=== Древний Египет ===
Одна из первых великих цивилизаций возникла в Египте, где профессиональные художники и мастера создавали замысловатые и сложные произведения искусства. Искусство Египта было религиозным и символическим. Поскольку культура отличалась высокоцентрализованной структурой власти и иерархией, в честь фараона было создано много произведений искусства, включая большие памятники. Египетское искусство и культура также уделяли большое внимание религиозным концепциям и загробной жизни. Позже египетское искусство также включало Египет греко-римского периода|Греко-римское, коптское искусство|Коптское и византийское искусство|Византийские элементы.

Древняя египетская архитектура характеризовалась монументальными сооружениями, построенными из больших каменных блоков, перемычек и массивных колонн. Погребальные памятники включали мастабы, прямоугольные гробницы, пирамиды, в том числе ступенчатые (как в Саккаре) или пирамиды с гладкими сторонами (как в пирамидах Гизы), а также гипогеи и подземные гробницы (как в Долине царей). Другими важными зданиями были храмы, которые обычно представляли собой монументальные комплексы, которым предшествовала аллея сфинксов и обелисков. Храмы имели пилон (архитектура)|пилоны и трапецию (геометрия)|трапециевидные стены с гипаэтральным храмом|гипатросом и гипостилем|колоннными залами, а также местом паломничества#Христианство 2|святыни. Хорошими примерами этого являются храмы Карнак-Храм|Карнак, Луксор, Храм Филе|Филы и Храм Эдфу|Эдфу. Другой тип храмов — скальный храм в форме гипогея|гипогея, найденный в Абу-Симбеле и Дейр-эль-Бахари.

В живописи египетского периода перекрывающиеся плоскости сопоставлялись. Изображения были представлены иерархически, т.е. час Фараон крупнее обычных подданных или врагов, изображенных рядом с ним. Египтяне рисовали контур головы и конечностей в профиль, а туловище, руки и глаза — спереди. В Египте развито прикладное искусство, особенно столярное дело, обработка дерева и металла. Есть прекрасные примеры, такие как мебель из кедрового дерева, инкрустированная черным деревом и слоновой костью (архитектура), которую можно увидеть в гробницах Египетского музея (Каир). Другими примерами являются предметы, найденные в гробнице Тутанхамона и имеющие большую художественную ценность.Azcárate 1983, стр. 29–34.< br />

=== Культура долины Инда ===
Индская культура, также известная как Хараппская культура (ок. 2400–1900 гг. до н.э.), была открыта в 1922 году, намного позже современных культур Месопотамии и Египта, и сейчас считается чрезвычайно развитой. Их стоянки простираются на территории, простирающейся от сегодняшнего северо-востока Афганистана через большую часть Пакистана до запада и северо-запада Индии. К важнейшим городам этой культуры относятся Хараппа и Мохенджо-Даро, расположенные в Пенджабе (Пакистан)|Пенджабе и Синде на севере сегодняшнего Пакистана соответственно, а также портовый город Лотал в штате Гуджарат (Индия). Наиболее распространенными артефактами являются квадратные и прямоугольные печати и отпечатки печатей с изображением животных, обычно быков, а также очень короткие хараппские тексты. Эта письменность Инда до сих пор не расшифрована. На хараппских стоянках также было найдено множество стилизованных терракотовых фигур, а также несколько каменных и бронзовых скульптур, более натуралистичных, чем керамические.Fortenberry 2017, стр. 209.


=== Китай ===
Первые металлические предметы были изготовлены в Китае почти 4000 лет назад во времена династии Ся (ок. 2100-1700 гг. до н. э.). Во время бронзового века|китайского бронзового века (династия Шан|династия Шан и Чжоу|династии Чжоу) ходатайства и общение с духовным миром осуществлялись при дворе шаманом (возможно, самим королем). Во времена династии Шан (ок. 1600–1050 до н. э.) Шанди был верховным божеством, но аристократические семьи предпочитали контактировать с духами своих предков. Они готовили для них изысканные банкеты с едой и напитками, которые подогревались и подавали в китайских ритуальных бронзовых ритуальных сосудах. Эти бронзовые сосуды имели множество форм в зависимости от назначения: для вина, воды, зерна или мяса, а некоторые из них были отмечены разборчивыми буквами, свидетельствующими о развитии письменности. Сосуды этого типа, отличающиеся очень высоким качеством и сложностью, были обнаружены в долине Хуанхэ в провинции Хэнань в таких местах, как Культура Эрлитоу | Эрлитоу, Аньян (Хэнань) | Аньян или Чжэнчжоу. Они использовались в религиозных ритуалах для укрепления власти Дханга и в качестве столицы Шанга около 1050 г. до н.э. К концу XIX века до н. э. их завоеватели Чжоу (ок. 1050–156 до н. э.) продолжали использовать эти сосуды в религиозных ритуалах, но в основном для еды, а не для питья. Использование ритуальной бронзы продолжалось и в раннюю династию Хань (206 г. до н. э. – 220 г. н. э.).

Одним из наиболее часто используемых мотивов был «Даоти» — стилизованное лицо, разделенное посередине на две почти зеркальные половины, с ноздрями, глазами, бровями, челюстями, щеками и рогами, окруженными резными узорами. Невозможно определить, представляют ли «Таоти» реальные, мифологические или полностью вымышленные существа.

Загадочные бронзовые фигуры Саньсиндуй возле Гуанханя (в провинции Сычуань) являются свидетельством загадочной религиозной системы жертвоприношений, которая не существовала больше нигде в истории древнего Китая и во многом опирается на искусство Шан того же периода в Аньяне (Хэнань). Аньян отличается. Во время раскопок в Саньсиндуе с 1986 года были обнаружены четыре ямы с бронзовыми, нефритовыми и золотыми артефактами. Была найдена большая бронзовая статуя человеческой фигуры, стоящая на постаменте, украшенном абстрактными головами слонов. Помимо стоящей фигуры, в первых двух ямах находилось более 50 бронзовых голов, некоторые в головных уборах, а три - с лобовым покрытием из сусального золота. Здесь же были обнаружены трубчатые бронзовые фрагменты с небольшими ветвями, вероятно, изображающие деревья, а также бронзовые листья, плоды и птицы. В 1986 году в Саньсиндуе было найдено более 4000 объектов.

После династии Шан династия Чжоу (1050–221 гг. до н.э.) правила дольше, чем любая другая династия в истории Китая. Последние несколько столетий были отмечены насилием, поэтому эту эпоху также называют Периодом Воюющих царств. В это смутное время возникло несколько важных философских движений: конфуцианство, даосизм и легализм.

Период Воюющих царств завершился Цинь Шихуанди | Циньши Хуанди, завоевавшим Китай в 221 году до нашей эры. БК Юнайтед. Для него построили огромную гробницу, которую охраняла Терракотовая армия. Еще одним крупным проектом был предшественник Великой Китайской стены, которая была построена для отражения мародерствующих племен с севера. После смерти императора его династия Цинь | Цинь (221–206 до н. э.) просуществовала всего три года. За Циньши Хуанди последовала династия Хань (202 г. до н.э. – 220 г. н.э.), во время которой Шелковый путь значительно развился и принес в Китай новые культурные влияния.

=== Греческий мир ===

Хотя определенных разрывов не было, древнегреческое искусство стилистически принято разделять на четыре периода: геометрический, архаический, классический и эллинистический. В классический период (V и IV вв. до н.э.) реализм и идеализм были сбалансированы. Для сравнения, работы более ранних геометрических (9-8 вв. до н. э.) и архаических (7-6 вв. до н. э.) эпох могут показаться примитивными, но у этих художников были разные цели: натуралистическое изображение не обязательно было их целью. Греческие и другие художники опирались на художественные основы Египта и продолжали развивать искусство скульптуры, живописи, архитектуры и керамики. Техники, которые они усовершенствовали, включают методы резьбы и литья скульптур, фресковой живописи и строительства великолепных зданий.

Любители римского искусства собирали древнегреческие оригиналы, римские копии греческого искусства или недавно созданные картины и скульптуры, выполненные в различных греческих стилях, сохраняя для потомков произведения искусства, которые в противном случае были бы потеряны. Настенные и панно, скульптуры и мозаики украшали общественные помещения и частные дома. Греческие изображения также встречались на римских украшениях, сосудах из золота, серебра, бронзы и терракоты и даже на оружии и торговых гирях. Искусство Древней Греции, вновь открытое в эпоху раннего Возрождения и передавшееся через Римскую империю, служило основой западного искусства до 19 века.

С начала Античности|Классического века в V веке до н.э. В Афинах классическое строительство глубоко вплетено в западное понимание архитектуры и самой цивилизации Hopkins 2014, p.6 Примерно с 850 г. до н.э. Примерно с 300 г. до н.э. примерно до 300 г. н.э. древнегреческая культура процветала на материковой части Греции, на Пелопоннесе и на Эгейском море | Эгейских островах. Пять чудес света были греческими: Храм Артемиды в Эфесе | Храм Артемиды в Эфесе, Статуя Зевса Фидия | Статуя Зевса в Олимпии, Галикарнасский мавзолей, Колосс Родосский и Александрийский Фарос | Маяк Александрии. Однако древнегреческая архитектура наиболее известна своими храмами, многие из которых можно найти по всему региону, и Парфенон является ярким примером этого. Позже они послужили источником вдохновения для архитекторов неоклассицизма (изобразительного искусства) | неоклассического стиля конца 18 и 19 веков. Самыми известными храмами являются Парфенон и Эрехтейон, оба из которых стоят на Акрополе (Афины) | Афинский Акрополь. Еще одним типом важного древнегреческого здания был театр. И в храмах, и в театрах использовалась сложная смесь оптических иллюзий и сбалансированных пропорций.

Глядя на археологические остатки древних построек, легко воспринять их как известняк и бетон серо-серого тона и предположить, что древние постройки были однотонными. Однако на протяжении большей части античности архитектура была полихромной. Детали одного из самых известных древних зданий, Парфенона (ок. 447–432 гг. до н.э.) в Афинах, были окрашены в яркие красные, синие и зеленые цвета. За исключением древних храмов, средневековые соборы никогда не были полностью белыми. Большинство из них имели цветные акценты на капителях и колоннах.

=== Римская империя ===

Римляне находились под сильным влиянием всех аспектов эллинистической культуры. В архитектуре, как и в других художественных техниках, они по существу переняли классические приемы и адаптировали их к новым ситуациям и использованию. Римляне также привнесли свои новшества в классическую архитектуру. Они использовали дорические, ионические и коринфские колонны гораздо свободнее, чем греки, создали свою собственную версию дорического стиля и гораздо чаще использовали коринфские колонны. Они также добавили в репертуар два новых ордера: тосканский ордер, более простую и массивную версию дорического ордера, заимствованную из этрусской архитектуры, и составной ордер. Другие важные нововведения включают арку (архитектуру)|арку и купол. С помощью арок они строили источники водоснабжения в Римской империи|акведуки и монументальные триумфальные арки|триумфальные арки. Римские императоры гордились своими завоеваниями и отмечали их триумфальными арками в Риме и на завоеванных территориях. Хорошим примером этого является Арка Константина в Риме. Между 30 и 15 гг. до н. э. В 400 г. до н.э. архитектор и инженер-строитель Витрувий|Марк Витрувий Поллион опубликовал крупный трактат Vitruvius#Werk|''De Architectura'', который на протяжении веков влиял на архитекторов всего мира.
После Средневековья растущий интерес к Древнему Риму начался с эпохи Возрождения, которая началась во Флоренции, Италия. За это время искусство впервые со времен классической античности стало убедительно реалистичным. Эпоха Возрождения также вызвала интерес к древнегреческой и римской литературе, а не только к искусству и архитектуре.Hodge 2017, стр. 16 и 18< br />

== Исламский мир ==
Исламское искусство известно со времен средневековья использованием витиеватых геометрических узоров в исламском искусстве, геометрических узоров, красочных плиток, стилизованных природных мотивов и подробной каллиграфии. Редко шрифт имел такое большое влияние на прикладное искусство и архитектуру. Ислам пришел в Западную Аравию в VII веке нашей эры через откровения Пророку Мухаммеду в Мекке. В течение столетия после смерти Мухаммеда исламские империи контролировали Ближний Восток, Испанию и некоторые части Азии и Африки. По этой причине, как и в римском искусстве, в исламском искусстве и архитектуре существовали региональные различия. По мере того как исламский мир расширялся до центров позднеантичной культуры, он обогащался философскими и интеллектуальными движениями. Ранние халифаты поощряли перевод греческих произведений на арабский язык и дальнейшее развитие математики и естественных наук. Это контрастирует с современным мнением о том, что исламское искусство догматично и неизменно. Изображения людей и животных не были редкостью. Лишь в определенные эпохи они были ограничены (по аналогии с византийским иконоборчеством).Fortenberry 2017, стр. 117.


== Америка ==

=== Мезоамерика ===
Некоторые из первых крупных цивилизаций Америки возникли в Мезоамерике, наиболее известными из которых являются цивилизация майя|Майя и ацтеки.

Ольмеки (ок. 1400–400 гг. до н. э.) были первой известной значительной цивилизацией на территории современной Мексики. Многие элементы мезоамериканских цивилизаций, такие как практика строительства пирамид, сложный календарь, пантеон богов и иероглифическое письмо, берут свое начало в культуре ольмеков. Они изготавливали нефритовые и керамические фигурки, колоссальные головы и пирамиды с храмами наверху, и все это без использования металлических инструментов. Для них жадеит был камнем более ценным, чем золото, и символизировал божественную силу и плодородие. Было обнаружено 17 колоссальных голов ольмеков, каждая весом в несколько тонн. Каждая голова с плоским носом и толстыми губами носит шлем, подобный тем, которые носят на официальных играх с мячом, и может представлять королей или чиновников.

Цивилизация майя возникла около 1800 г. до н.э. до н.э. и рос до прихода испанских колонизаторов в 16 веке. Они оккупировали юго-восток Мексики, Гватемалу, Белиз и части Гондураса и Сальвадора. Майя торговали с такими городами, как Теотиуакан, а также со многими мезоамериканскими цивилизациями, такими как сапотеки или другие группы из центральных или прибрежных районов Мексики, а также с населением, которое не проживало в мезоамериканских регионах, например, таино из Карибский бассейн. Они создавали впечатляющие царские изображения, полихромные керамические сосуды, глиняные фигурки, деревянные скульптуры, стелы и строили сложные города с пирамидами. Большинство хорошо сохранившихся полихромных керамических сосудов обнаружено в погребениях дворян.

Возникнув из скромной кочевой группы, ацтеки построили крупнейшую империю в истории Мезоамерики, которая просуществовала с 1427 по 1521 год. Они называли себя не «ацтеками», а «мексиканцами». Они превратили столицу своей империи Теночтитлан в место, где художники из Мезоамерики создавали впечатляющие произведения искусства для своих новых мастеров. Сегодняшний Мехико был построен на месте столицы ацтеков Теночтитлана.

===Колумбия ===
Аналогичная ситуация и с Мезоамерикой, современной территорией Колумбии, где до прихода испанских колонизаторов развивалось несколько культур. Здесь изготавливались золотые украшения для тела, многие из них из золота, а также многие другие из тумбаги, неспецифического сплава золота и меди, полученного испанскими конкистадорами для металлов из этих элементов, существовавших в доколумбовой Мезоамерике в Северной Америке и Южной Америке. Америке были широко распространены.


=== Андский регион ===
Древние цивилизации Перу|Перу и Боливии|Боливии сохранили уникальные художественные традиции, в том числе одну из самых эстетически впечатляющих традиций текстильного искусства в мире. Две из первых значительных культур в этой стране — это культура Чавин|Чавин и культура Паракас.

Культура Паракас на южном побережье Перу наиболее известна своими тканями со сложными узорами, особенно плащами. Культура Моче | Моче управляла речными долинами на северном побережье, а культура Наска | Наска правила на юге Перу | Перу, вдоль прибрежных пустынь и прилегающих гор. Наска наиболее известна знаменитыми Линиями Наска, группой геоглифов в пустыне на юге Перу. Они также производили керамику и текстиль под влиянием Паракаса и использовали в своей керамике палитру не менее 10 цветов. Обе культуры процветали между 100 и 800 годами нашей эры. Керамика моче является одной из самых разнообразных в мире. На севере государство Вари | Империя Вари (или Империя Уари) стала известна своей каменной архитектурой и скульптурой.

Чиму предшествовал простой керамический стиль, известный как сиканская культура | Сикан (700–900 гг. Н.э.). Чиму создавал превосходные портретные и декоративные работы из металла, особенно из золота, но особенно из серебра. Позже Империя инков (1100–1533 гг.) распространилась за Анды. Они изготавливали фигурки из драгоценных металлов и, как и другие цивилизации того же региона, изготавливали сложные ткани. Ламы были важными животными из-за их шерсти и в качестве вьючных животных.
== Азия ==
Один из подходов к истории восточного искусства разделяет эту область по нациям, уделяя особое внимание индийскому, китайскому и японскому искусству. Из-за размера континента можно четко различать Восточную Азию и Южную Азию в контексте искусства, со своими собственными стилями в Юго-Восточной Азии и Центральной Азии.

=== Средняя Азия ===
Центральноазиатское искусство развивалось в Центральной Азии, в районах, соответствующих современному Кыргызстану, Казахстану, Узбекистану, Туркменистану, Азербайджану, Таджикистану, Афганистану, Пакистану и частям современной Монголии, Китая и России.
=== Индия ===
Ранний буддизм|буддийские верующие в Индии разработали символы, которые были связаны с Сиддхартхой Гаутамой|Буддой. Наиболее важные остатки буддийского искусства относятся к периоду после Империи Маурьев, к кушанскому искусству в северной Индии, к греко-буддийскому искусству Гандхары и, наконец, к «классическому» периоду Империи Гуптов. Кроме того, существовала школа Андхра, возникшая раньше школы Гандхара и базировавшаяся на юге Индии.Harle 1994, с. 26-47, 105-117. Сохранились многочисленные скульптуры из некоторых важных мест, таких как Санчи, Бхархут и Амаравати (деревня, Андхра-Прадеш) | Амаравати, некоторые из которых остались на месте, а другие находятся в музеях Индии или выставлены вокруг. мир. Ступа|Ступы были окружены церемониальными оградами с четырьмя богато украшенными торанами|торанами или декоративными воротами, обращенными в четыре стороны света. Они сделаны из камня, хотя явно принимают формы, разработанные из дерева. Они и стены самой ступы могут быть обильно украшены рельефами, обычно изображающими жизнь Будды. Постепенно формировались фигуры в натуральную величину, сначала с глубоким рельефом, а затем и отдельно стоящие. 80] Искусство Матхуры | Искусство Матхуры было наиболее важным центром этого развития, которое распространялось как на индуистское и джайнское, так и на буддийское искусство. Фасады и интерьеры высеченных в скалах молитвенных залов «чайтья» и монашеских вихар сохранились лучше, чем аналогичные отдельно стоящие конструкции в других местах, которые долгое время были построены в основном из дерева. Пещеры Аджанты|Аджанты, Карлы|Карле, Бхаджи и других мест содержат ранние скульптуры, которые часто превосходили более поздние произведения, такие как знаковые фигуры Будды и Бодхисаттвы|Бодхисаттв. С приходом ислама в VII веке Индийский субконтинент находился под все большим влиянием исламских и персидских элементов искусства, что нашло отражение в монументальных зданиях, таких как Тадж-Махал.

=== Китай ===
В Восточной Азии живопись произошла от каллиграфии, а портреты и пейзажи писались на шелковых тканях. Большинство картин представляют собой пейзажи или портреты. Наиболее впечатляющими скульптурами являются китайские ритуальные бронзы и бронзовые скульптуры из Саньсиндуя. Очень известным примером китайского искусства является «Терракотовая армия», изображающая армии Цинь Шихуанди, первого императора Китая. Это форма погребального искусства, зародившаяся при императоре в 210-209 годах до нашей эры. был похоронен в до н.э. и целью которого была защита императора в загробной жизни.

Китайское искусство является одним из старейших непрерывно передаваемых традиционных искусств в мире и характеризуется необычной степенью преемственности внутри этой традиции и осознанием этой традиции, поскольку не существует эквивалента краху и постепенному восстановлению классических стилей на Западе. Многие из лучших работ были созданы в крупных мастерских или фабриках практически неизвестными художниками, особенно в области китайского фарфора | китайской керамики. Ассортимент товаров, украшавших китайские дворцы, дома и их обитателей, ошеломляет. Материалы привозились со всего Китая и далеко за его пределами: золото и серебро, перламутр, слоновая кость и рог носорога, дерево и лак, нефрит и мыльный камень|мыльный камень, шелк и бумага.

=== Япония ===
Японское искусство охватывает множество художественных стилей и средств, включая древнюю керамику, скульптуру, живопись тушью суми-э и каллиграфию сёдо на шелке и бумаге, картины укиё-э и гравюры на дереве, керамику, оригами и, в последнее время, мангу - современный японский язык. мультфильмы|комиксы и комиксы, а также множество других форм.

Первые поселенцы Японии, люди периода Дзёмон|Дземон (ок. 11 000–300 гг. до н.э.), изготавливали богато украшенные глиняные сосуды для хранения еды, глиняные фигурки, называемые Догу|''догу''. Япония подверглась внезапным волнам новых идей, за которыми последовали длительные периоды минимального контакта с внешним миром. Со временем у японцев развилась способность впитывать, подражать и в конечном итоге ассимилировать те элементы иностранных культур, которые дополняли их эстетические предпочтения. Самое раннее комплексное искусство в Японии было создано в VII и VIII веках в связи с буддизмом. В 9 веке, когда японцы отвернулись от Китая и начали развивать местные формы выражения, светское искусство становилось все более важным; К концу 15 века процветало как религиозное, так и светское искусство. После войны Онин (1467–1477) в Японии начался период политических, социальных и экономических волнений, который длился более столетия. В государстве, возникшем под руководством сёгуната Токугава|Сёгунат Токугава, организованная религия играла гораздо меньшую роль в жизни людей, а сохранившиеся искусства были преимущественно светскими.

== Африка к югу от Сахары ==
Искусство стран Африки к югу от Сахары включает в себя как скульптуры, характеризующиеся медным литьем жителей Королевства Бенин|Бенин, Игбо-Укву|Игбо Укву и Королевства Иль-Ифе|Ифе, так и терракоты из Дженне-Джено. , Ифе и древняя культура и народное искусство Нок. Совпадая с европейским средневековьем, Великий Зимбабве был основан в 11 веке нашей эры, производя великолепную архитектуру, золотые скульптуры и изысканные ювелирные изделия. В то же время представители народа йоруба (этническая группа) | йоруба на территории нынешней Нигерии отливали впечатляющие медные скульптуры. В то же время элегантные алтарные бивни, медные головы, медные пластины и дворцы были созданы в Королевстве Бенин, а также на юге Нигерии. Королевство Бенин было распущено британцами в 1897 году, и сегодня в Нигерии мало что осталось от искусства этой культуры.

Африка к югу от Сахары характеризуется высокой плотностью культур со своими собственными культурными и художественными проявлениями. Выделены догоны | Догоны из Мали, Эдо (народ) | Эдо, Йоруба (этническая принадлежность) | Йоруба, Игбо (этническая принадлежность) | Игбо и культура Нок | Цивилизация Нок из Нигерии, Федерация Куба | Куба и Балуба | Люба из Центральной Африки, ашанти (народ) | ашанти из Ганы, зулу (этническая группа) | зулу из южной Африки; Фанг (этническая группа) | Народы фанг из Экваториальной Гвинеи, Камеруна и Габона; народы культуры Сан из Чада и Квеле из восточного Габона, Республики Конго и Камеруна.

Бесчисленные формы африканского искусства являются частью художественной традиции африканских народов, которая продолжается и в 21 веке. Многие традиционные формы африканского искусства созданы как связь с духовным миром и меняют свой внешний вид по мере добавления материалов для усиления их эффекта. Чем чаще произведение используется и благословляется, тем более абстрактным оно может стать из-за накопления подношений и износа оригинальных деталей.

== Океания ==
Океаническое искусство включает географические районы Микронезии, Полинезии, Австралии, Новой Зеландии и Меланезии. К сожалению, мало что из древнего искусства Океании сохранилось. Исследователи полагают, что это, вероятно, связано с тем, что художники использовали скоропортящиеся материалы, такие как дерево и перья, которые не выживут в тропическом климате. Письменных записей, на которые можно было бы ссылаться, также нет. Таким образом, понимание искусства Океании начинается с его документации, сделанной жителями Запада, такими как Джеймс Кук, в 18 веке. На рубеже 20-го века французский художник Поль Гоген много времени провел на Таити, живя среди местного населения и создавая современное искусство. Искусство аборигенов Австралии часто выглядит как абстрактное современное искусство, но оно глубоко укоренено в местной культуре.

Искусство Австралии и Океании|Океании — последняя великая художественная традиция, которую чтит мир в целом. Хотя это одна из старейших в мире непрерывных художественных традиций, насчитывающая не менее пятидесяти тысячелетий, она оставалась относительно неизвестной до второй половины 20-го века.

Часто эфемерные материалы искусства австралийских аборигенов затрудняют определение возраста большинства форм искусства, практикуемых сегодня. Наиболее устойчивыми формами являются многочисленные наскальные рисунки и наскальные рисунки, встречающиеся по всему континенту. На откосе Арнемленда есть свидетельства того, что рисунки были созданы пятьдесят тысяч лет назад, раньше, чем палеолитические наскальные рисунки в пещерах Альтамира|Альтамира и пещера Ласко|Ласко в Европе.

== Европа ==

=== Средневековье ===
С упадком Римской империи примерно в 300 году нашей эры начался период, который позже был назван Средними веками. Прошло около тысячелетия до начала Возрождения около 1400 года. Раннехристианское искусство типично для ранних этапов этого периода, за ним следует византийское искусство, англосаксонское искусство, искусство викингов, оттоновское искусство, романское | романское искусство и готика | Готическое искусство, при этом исламское искусство доминирует в восточном Средиземноморье. Средневековое искусство развилось из художественного наследия Римской империи и Византии, смешанного с «варварскими» традициями Северной Европы.Hodge 2017, с. 15.

В византийском и готическом искусстве средневековья господство церкви (организации) привело к появлению большого количества религиозного искусства.

==== Византия ====

Сохранившееся византийское искусство в основном религиозное и, за исключением некоторых периодов, сильно стилизованное. Он следует традиционным моделям, которые переводят тщательно контролируемое богословие церкви в художественные термины. Наиболее важными средствами массовой информации были фрески, иллюминированные рукописи и деревянные панели, а также (особенно в более ранние эпохи) мозаики. За исключением небольших изделий из слоновой кости, фигуративные скульптуры изготавливались очень редко. В книжной иллюминации/рукописной живописи до конца сохранилась часть классической реалистической традиции, отсутствовавшая в более крупных произведениях. Византийское искусство высоко ценилось и востребовано в Западной Европе, где оно оказывало постоянное влияние на средневековое искусство вплоть до конца Средневековья. Это было особенно верно в Италии, где византийский стиль продолжался в измененной форме до XII века и оказал формирующее влияние на искусство итальянского Возрождения. По мере распространения Православной Церкви византийские формы и стили распространились по всему православному миру и за его пределами. Влияние византийской архитектуры, особенно в религиозных зданиях, можно обнаружить в различных регионах: от Египта и Аравии до России и Румынии.

Византийская архитектура известна использованием куполов. В нем также были мраморные колонны, кессонные потолки и богатые украшения, в том числе широкое использование мозаики на золотом фоне. Строительным материалом, использованным византийскими архитекторами, был уже не мрамор, который высоко ценили древние греки. Византийцы в основном использовали для окон камень и кирпич, а также тонкие алебастровые пластины. Мозаикой покрывали кирпичные стены и любые другие поверхности, на которых фреска не была прочной. Хорошие примеры мозаик протовизантийского периода можно найти в соборе Святого Димитрия в Салониках (Греция), в базилике Сант-Аполлинаре Нуово|Базилике Сант-Аполлинаре Нуово и в Сан-Витале|Базилике Сан-Витале (оба в Равенне в Италия), а также в соборе Святой Софии в Стамбуле. Греко-римские храмы и византийские церкви существенно различаются по внешнему виду и интерьеру. В древние времена важнейшей частью храма была внешняя часть, так как доступ внутрь, где находилась культовая статуя божества, в честь которого был построен храм, имел доступ только жрец. Храмовые церемонии в древности проводились на открытом воздухе, и верующие видели фасад храма, который состоял из колонн с антаблементом и двумя фронтонами. Однако христианские литургии проходили внутри церквей, а снаружи обычно практически не было украшений.
==== Оттоник ====

После упадка Каролингской империи в 9 веке Священная Римская империя была воссоздана под властью династии Племенного герцогства Саксонии Оттонианцев. Это породило новую веру в идею империи и реформированной церкви, что создало время возросшего культурного и художественного рвения. В этой атмосфере создавались шедевры, сочетавшие в себе традиции, в которых черпали вдохновение оттонские художники: произведения позднеантичного, каролингского и византийского происхождения. Сохранившееся оттоновское искусство в основном религиозное и возникло в виде иллюминированных рукописей и изделий из металла в небольшом количестве центров для узкого круга покровителей императорского двора, а также для важных деятелей церкви. Большая часть этого, однако, была предназначена для представления более широкой аудитории, особенно паломникам.Беквит, 81–86; Ласко, 82 года; Додуэлл, 123–126

Этот стиль, как правило, сенсационный, иногда преувеличенный и изначально менее сложный, чем его каролингские эквиваленты, с меньшим прямым влиянием византийского искусства и меньшим пониманием его классических моделей. Однако около 1000 года во многих работах проявляется впечатляющая интенсивность и выразительность, сочетающая «торжественную монументальность с яркой внутренней природой, потустороннее, призрачное качество с пристальным вниманием к текущим, поверхностным узорам плавных линий и насыщенных, ярких цветов». со страстной эмоциональностью».Честь и Флеминг, стр. 277

==== Романский ====
Романский стиль, первый общеевропейский стиль, возникший после распада Римской империи, существовал с середины 10 по 13 век. В это время пережили ренессанс монументальные каменные здания со сложной структурной программой.

Романский|Романские церкви характеризуются строгой структурой и геометрической четкостью, которые объединены в единое объемное целое. Архитектура проста, но оживляется декоративными скульптурами на капителях и порталах, а также фресками в интерьерах. Геометрические узоры и узоры из листьев все чаще уступают место трехмерным фигуративным скульптурам.

С середины XI до начала XIII веков романские картины были двумерными и характеризовались смелыми, линейными очертаниями и геометрией, особенно в изображении драпировок. Художники сделали акцент на симметрии и фронтальности. Почти все западные церкви были украшены фресками, но, вероятно, лишь немногие художники-монументалисты были монахами; вместо этого большую часть этой работы выполнили странствующие художники. Основная блокировка выполнялась по влажной штукатурке (компонентной) | штукатурке земляных цветов. Для максимального визуального воздействия использовалась ограниченная цветовая палитра, в которой преобладали белый, красный, желтая охра и лазурь, с плотной цветовой гаммой, образующей фон из полос - практика, возникшая в позднем классическом искусстве как попытка объединить землю и небо. дифференцировать.

В конце XI и XII веках, в великую эпоху западного монашества, Европа пережила беспрецедентные экономические, социальные и политические изменения, которые привели к росту благосостояния землевладельцев, в том числе монастырей. Спрос на книги увеличился, а экономическое процветание способствовало производству богато украшенных рукописей.

Одним из выдающихся артефактов этого периода является гобелен из Байе длиной 70 м | Ковер из Байе. В нем показаны события, которые привели к норманнскому завоеванию Англии | Норманнское завоевание Англии, с главными героями Уильямом I (Англия) | Уильямом, герцогом Нормандии, и Харальдом II (Англия) | Гарольд, граф Уэссекса, впоследствии король Англии. , кульминацией которого стала битва при Гастингсе в 1066 году. Считается, что он датируется 11 веком. Он рассказывает историю с точки зрения норманнов-завоевателей, но теперь считается, что он был сделан в Англии - скорее всего, женщинами, хотя этот человек неизвестен. Он расположен во Франции.

=== Готика ===
Готическое искусство развилось в романский период на севере Франции в 12 веке нашей эры и сопровождалось одновременным развитием готической архитектуры. Он распространился по всей Западной Европе и в большей части Южной Европы | Южной и Центральной Европы | Центральной Европы, не вытеснив полностью более классические стили в Италии. В конце 14 века сложился утонченный куртуазный стиль интернациональной готики, который продолжал развиваться до конца 15 века.

Кирпичная готика — это особый стиль готической архитектуры, который был широко распространен в Северной и Центральной Европе, особенно в регионах Балтийского моря и вокруг него, где нет подходящих скальных образований. Здания по существу построены из кирпича.

Внушительные готические соборы с их скульптурными программами и витражами являются воплощением готического стиля.Fortenberry 2017, стр. 149 Он отличается от романского стиля ребристыми сводами и использованием стрельчатых элементов | стрельчатые арки. Вместо толстых романских стен готические здания тонкие и высокие. Винтовые лестницы в башнях типичны для готической архитектуры.Graur 1970, стр. 52–53.

Готическая живопись, выполненная в основном темперой, а затем маслом по дереву, а также фресками и все более широким спектром второстепенных цветов, обычно считается более «натуралистической», чем романский период. Подчеркивалась человечность религиозного повествования, индивидуализировалось эмоциональное состояние героев[135]. Растущая урбанизация средневековой экономики и появление духовных и светских покровителей привели к изменению характера арт-рынка, что отразилось в развитии готического освещения рукописей. В мастерских были задействованы специалисты по различным элементам страниц, таким как: Б. Фигуры или мотивы-усики по краю.[136]

=== Ренессанс ===
Термин «Ренессанс» включает в себя Раннее Возрождение, Высокое Возрождение и Возрождение|Позднее Возрождение и описывает «возрождение» нового интереса к классической античности в Европе. Впервые с древних времен искусство стало реалистичным. Помимо древнего прошлого, художники эпохи Возрождения также изучали природу и получили представление о человеческом теле, животных, растениях, пространстве, перспективе и свойствах света. Самой распространенной темой были религиозные темы, но создавались и изображения мифологических историй. Более того, не было единого стиля эпохи Возрождения. Каждый художник выработал свой неповторимый визуальный язык, на который повлияли его предшественники и современники.

Раннее Возрождение было периодом большой творческой и интеллектуальной активности, в течение которого художники полностью порвали с параметрами византийского искусства. Принято считать, что оно началось во Флоренции, на территории нынешней Италии, в начале 15 века. Для него характерен сильный интерес к классической литературе, философии и искусству, рост торговли, открытие новых континентов и новых изобретений. Произошло возрождение интереса к искусству и литературе Римской империи, а изучение древнегреческих и латинских текстов привело к появлению концепций индивидуализма и разума, которые стали известны как гуманизм. Гуманисты подчеркивали важность индивидуального мышления, которое повлияло на подход художников.

Хотя эпоха Возрождения тесно связана с Италией, особенно с Флоренцией, Римом и Венецией, в нее была вовлечена и остальная часть Западной Европы.
Высокое Возрождение произошло в конце 15 - начале 16 веков и на него повлиял тот факт, что папская власть в Риме стабилизировалась, и несколько пап заказали искусство и архитектуру, чтобы вернуть городу его былую славу. Рафаэль и Микеланджело создали для пап обширные и грандиозные проекты. Самым известным произведением искусства этой части эпохи Возрождения, вероятно, является потолок Сикстинской капеллы#Потолочные росписи|Сикстинская капелла.

Маньеризм порвал с идеалами гармонии и рационального подхода к искусству Высокого Возрождения и обратился к преувеличенным формам, вытянутым пропорциям и более ярким цветам. Оно развивалось в Италии между 1510 и 1520 годами среди художников, которые превыше всего ценили оригинальность. Название этого движения происходит от итальянского maniera, что означает «стиль» или «искусство». Это слово предназначалось для описания стандарта совершенства, достигнутого в эпоху Высокого Возрождения, на котором теперь должно основываться все искусство. На практике, однако, это привело к стилизации и искусству, призванному «показать искусство», иногда с большим успехом, как, например, в случае с учеником Рафаэля Джулио Романо. Маньеризм также использовался в более широком смысле для описания периода после Возрождения и до барокко.

=== Барокко ===

Искусство барокко развилось в конце 16 века как преемник маньеризма и в результате религиозной напряженности в Европе. Название, возможно, происходит от «barocco», португальского слова, обозначающего деформированную жемчужину, и описывает искусство, сочетающее в себе эмоции, динамизм и драму с яркими цветами, реализмом и сильными цветовыми контрастами. Тридентский собор между 1545 и 1563 годами постановил, что религиозное искусство должно способствовать благочестию, реализму и точности и посредством внимания и сопереживания зрителя прославлять католическую церковь и тем самым укреплять католицизм. В следующем столетии радикально новые стили искусства барокко подхватили и развили модели Высокого Возрождения и открыли новые горизонты как в религиозном искусстве, так и в новых вариантах светского искусства - особенно в пейзажной живописи. Барокко и его поздний вариант, рококо, были первыми по-настоящему глобальными художественными стилями, доминировавшими в искусстве и архитектуре Европы, Латинской Америки и за ее пределами на протяжении более двух столетий, примерно с 1580 по 1750 год. Барокко зародилось в мастерских художников Болоньи и Рима в 1580-х и 1590-х годах, а также в римских скульптурных и архитектурных мастерских во втором и третьем десятилетиях 17 века и быстро распространилось в Италии, Испании и Португалии, Фландрии, Франции, Нидерландах. , Англии, Скандинавии и России, а также в центрах Центральной и Восточной Европы от Мюнхена (Германия) до Вильнюса (Литва). Португальская, Испанская и Французская империи, а также голландская торговая сеть сыграли ведущую роль в распространении двух стилей в Америке, колониальной Африке и Азии, в таких местах, как Лима, Мозамбик, Гоа и Филиппины. бр />
Подобно картинам и скульптурам, соборы и дворцы в стиле барокко характеризуются использованием иллюзий и драматизма. Они также часто используют драматические эффекты света и тени и имеют великолепные, богато украшенные интерьеры, которые стирают границы между архитектурой, живописью и скульптурой. Другой важной особенностью архитектуры барокко был динамизм, создаваемый кривыми, Соломоновыми колоннами и овалами. Во Франции барокко является синонимом правления Луи Мезон-Лафита|Замка Мезон, Во-ле-Виконт|Замка Во-ле-Виконт, Луврской колоннады|Луврской колоннады или Дома Инвалидов (Dôme Hôtel des Invalides| Инвалидов). Помимо самого здания, роль играет и место, где оно расположено. Здания в стиле барокко стремятся привлечь внимание зрителей и доминировать над своим окружением, будь то в небольшом масштабе, как Сан-Карло алле Кватро Фонтане в Риме, или в большом масштабе, как новый фасад собора Сантьяго-де-Компостела, спроектированный так, чтобы он башни над городом. В это время процветало и прикладное искусство. Мебель в стиле барокко могла быть столь же богатой, как и комнаты, которые она должна была украсить, а ее мотивы и приемы были тщательно адаптированы к общей декоративной программе архитектора. Одним из самых известных производителей мебели был Андре-Шарль Буль | Андре Шарль Буль, который был известен своей техникой маркетри, в которой листы черепахового панциря и латуни склеивались вместе и вырезались по форме. Его работы также украшались фурнитурой из позолоченной бронзы. Замысловатые гобелены Gobelin Manufactory|от Gobelins изображали сцены, вдохновленные античной классикой, а мануфактура Savonnerie производила большие детализированные ковры. Эти ковры с черным или желтым фоном имели центральный мотив или медальон (орнамент). Китайский фарфор Delft Blue|Дельфтский фарфор и зеркала от Compagnie de Saint-Gobain|Saint-Gobain (Франция) быстро распространился по всем княжеским дворцам и дворянским резиденциям Франции. Во время правления Людовика XIV большие зеркала висели над каминами, и эта тенденция продолжалась еще долгое время после периода барокко.Hodge 2017, стр. 23; Фортенберри 2017, стр. 243; Хопкинс, 2014 г., стр. 70, 73, 84; Бейли 2012, стр. 4, 205, 286; Граур, 1970, стр. 175, 176.

=== Рококо ===
Рококо, возникшее в Париже около 1720 года, характеризуется природными мотивами, мягкими цветами, изогнутыми линиями, асимметрией и такими темами, как любовь, природа и беззаботный разговор. Его идеалами были нежность, жизнерадостность, молодость и чувственность.

Движение рококо, возникшее во Франции как реакция на тяжелое барочное великолепие двора Людовика XV. (1710–1774), ассоциированный. По этой причине стиль еще называли «помпадур». Название механизма происходит от французского «rocaille» или «галька», обозначающего камни и ракушки, украшающие внутреннюю часть пещер, поскольку подобные формы ракушек стали общей чертой дизайна рококо. Он начался как стиль дизайна и декоративного искусства и характеризовался элегантными плавными формами. За ней последовала архитектура, а затем живопись и скульптура. Французский художник, с которым чаще всего ассоциируется термин «рококо», — это Антуан Ватто | Жан-Антуан Ватто, чьи пасторальные сцены или «галантные праздники» доминировали в начале 18 века.

Хотя в этом стиле есть несколько значительных баварских церквей, таких как Вискирхе, рококо чаще всего ассоциируется со светскими зданиями, особенно с большими дворцами и салонами, где образованная элита встречалась для обсуждения литературных и философских идей. В Париже его популярность совпала с появлением салона как нового типа общественных собраний, места которого часто оформлялись в стиле рококо. Среди наиболее характерно элегантных и изысканных примеров — Овальный салон принцессы отеля de Soubise, одного из самых красивых особняков XVIII века в Париже. Рококо внес кардинальные изменения в мебель элиты, поскольку в ней отдавались более мелкие предметы с узкими, жилистыми рамами и более тонким, часто асимметричным декором, часто включающим элементы шинуазри. Предпочтение предметам Дальнего Востока|с Дальнего Востока (в основном из Китая) привело к использованию в мебели китайских расписных и лакированных панелей.

Движение быстро распространилось по всей Европе и даже в Османской империи | Османской Турции и Китае благодаря декоративным книгам с картушами (искусство), арабесками и ракушками, а также рисункам для стеновых панелей и каминов. Самыми популярными были Жюст-Орель Мейсонье (1695–1750), Жак-Франсуа Блондель (1705–1774), Пьер Эдме Бабель | Пьер-Эдме Бабель (1720–1775) и Франсуа де Кювилье Старший | Франсуа де Кювилье (1695–1775). 1768).Ходж 2017, стр. 24; Фортенберри 2017, стр. 256; Хопкинс, 2014 г., стр. 92, 95; Бейли, 2012, стр. 272, 288; Граур, 1970, стр. 194, 195.


=== Классицизм ===
Благодаря раскопкам древнеримских городов Помпеи и Геркуланума в 1748 году возобновился интерес к античному искусству. Неоклассицизм доминировал в западном искусстве с середины до конца 18 века и до 1830-х годов. Он олицетворяет порядок и сдержанность и возник как реакция на предполагаемую легкомысленность, гедонизм и декаданс рококо. Он является примером рационального мышления «Просвещения|Эпохи Просвещения». Первоначально движение было разработано не художниками, а философами эпохи Просвещения. Они призывали заменить рококо стилем рационального искусства, которое должно быть нравственным и посвященным душе.
В 1789 году Франция была на пороге своей первой революции, и кассицизм стремился выразить патриотические чувства. Политика и искусство в это время были тесно связаны. Считалось, что искусство должно быть серьезным, а рисунки ценились выше картин; Конечной целью были плавные контуры и цвета без заметных мазков. И живопись, и скульптура излучали спокойствие и сдержанность, фокусируясь на героических темах, выражающих такие благородные понятия, как самопожертвование и патриотизм.

Это движение проложило путь романтизму, который возник, когда идеализм революции угас, а эпоха коалиционных войн | Наполеоновская эпоха подошла к концу в начале 19 века. Однако классицизм следует рассматривать не как противоположность романтизму, а в некотором смысле как раннее его проявление. [173][174]

== Развитие искусства после 1770 года ==
Многие искусствоведы относят зарождение современного искусства к концу XVIII века, другие — к середине XIX века. Историк искусства Х. Гарвард Арнасон отмечал, что «в течение ста лет произошла постепенная метаморфоза». Такие события, как Просвещение, революции и демократии во время Американской революции, Французской революции и Промышленной революции, оказали далеко идущее влияние на западную культуру. Люди, товары, идеи и информация смогли путешествовать между странами и континентами с невиданной скоростью, и эти изменения отразились в искусстве. Изобретение фотографии в 1830-х годах еще больше изменило некоторые аспекты искусства, особенно живопись. В начале 19 века К XIX веку завершился долгий и постепенный сдвиг парадигмы: от того времени, когда художники рассматривались как ремесленники на службе церкви и монархий, к идее искусства ради искусства, в которой идеи и видения личности художника ценились очень высоко. Это было сделано при поддержке все более образованного, богатого городского среднего и высшего класса, который формировался в течение 200 лет (особенно в Париже и Лондоне). В конце XVIII века началась дихотомия классицизма и романтизма, раскалывающая и продолжающая пронизывать практически каждое новое движение в современном искусстве: «Эти измы распространялись как волны, игнорируя национальные, этнические и хронологические границы; они нигде долго не господствуют, а конкурируют друг с другом или сливаются в бесконечно меняющиеся узоры».[183]

Современное искусство становится все более открытым для международного влияния и обмена: от экзотического любопытства ориентализма (искусства)|ориентализма до более глубокого влияния японизма на искусство Океании, Африки и Америки. И наоборот, современное искусство все больше выходит за пределы Западной Европы. К концу XIX века искусство в России и США развилось до такой степени, что могло соперничать с ведущими странами Европы. Многие из наиболее важных движений также возникли в Латинской Америке, Австралии и Азии, и с каждым десятилетием география и национальность становились все менее важными. В 20 веке во всем мире появились важные и влиятельные художники: например. Б. Цугухару Фухита | Фухита (Япония), Аршил Горки (Армения), Диего Ривера и Фрида Кало (Мексика), Вифредо Лам (Куба), Эдвард Мунк (Норвегия), Роберто Матта (Чилиец), Марк Ротко (США), Фернандо Ботеро|Фернандо Ботеро Ангуло (Колумбия), Константин Бранкуши и Виктор Браунер (румыны).).[184][185][186][187][188]


=== 19 век ===

==== Романтизм (ок. 1790–1880) ====
Романтизм развился в конце 18 века из немецкого движения «Штурм и натиск» и пережил расцвет в первой половине 19 века со значительными международными проявлениями в музыке, литературе и архитектуре, а также в изобразительном искусстве. Оно возникло из-за разочарования в рационализме Просвещения XVIII века. Хотя его часто рассматривают как противоположность классицизму, в обоих течениях было некоторое стилистическое совпадение, и многие художники-романтики с энтузиазмом относились к классицизму. Движение сосредоточилось на сильных эмоциях, воображении и устрашающей силе природы, большей и могущественной, чем сила человека, с ее потенциалом катастрофы. «Классицизм — это новое возрождение классической античности... тогда как романтизм относится не к определенному стилю, а к состоянию ума, которое может проявляться по-разному».[190]

Одним из самых ранних проявлений романтизма был английский пейзажный сад, который был тщательно спроектирован так, чтобы казаться естественным и резко контрастировать с формальными садами того времени. Концепция «естественного» английского сада в последующие десятилетия была принята по всей Европе и Америке. В архитектуре романтики часто обращались к иным источникам, чем греческие и римские модели, которыми восхищались классицисты. Романтическая архитектура часто возрождала готические формы и другие стили, такие как экзотические восточные модели. Вестминстерский дворец в Лондоне является примером романтической архитектуры, также известной как готическое возрождение. [190] В живописи романтизм представлен картинами Франсиско де Гойи | Франсиско Гойи в Испании, Эжена Делакруа и Теодора Жерико | Теодора Теодора Жерико | Жерико во Франции, Уильяма Блейка, Иоганна Генриха Фюссли | Анри Фюзели, Сэмюэля Палмера и Уильяма. Тернер в Англии, Каспар Давид Фридрих и Филипп Отто Рунге в Германии, Франческо Хайес в Италии, Йохан Кристиан Клаузен Даль | Йохан Кристиан Клаусен Даль в Норвегии и Томас Коул в США. Среди скульпторов-романтиков Антуан-Луи Барье, Жан-Батист Карпо и Франсуа Рюд. В ходе романтизма некоторые аспекты движения превратились в символизм (изобразительное искусство) | Символизм.

==== Академизм ====
Академическое искусство|Академизм — это кодификация искусства в правила, которым можно научиться в художественных академиях. Он пропагандирует классические идеалы красоты и художественного совершенства. Также существовала очень строгая иерархия тем. Наверху располагались картины, изображающие исторические события, в том числе библейские и античные|классические, за ними следовали портреты и пейзажи. Внизу иерархии находились натюрморты и жанровая живопись. Николя Пуссен — художник, чьи произведения и теории сыграли важнейшую роль в развитии академизма. Идеи академизма лежали в основе проекта Просвещения по раскрытию основных принципов и идеалов искусства.

В 18 веке по всей Европе было основано множество академий, которые позже стали доминировать в искусстве 19 века. Чтобы поступить в художественную академию, молодым художникам пришлось сдать вступительный экзамен и проучиться там несколько лет после поступления. Большинство французских художественных движений XIX века были внешними или даже направленными против ценностей академизма.

Среди самых важных художников Французской академии были Вильям Адольф Бугро | Уильям Бугро (1825–1905), Жан-Леон Жером (1824–1904), Александр Кабанель (1823–1889) и Тома Кутюр (1815–1879). Академическое искусство тесно связано с архитектурой изящных искусств, которая развивалась там же и следует аналогичному идеалу классицизма. Стиль изящных искусств получил свое название от Школы изящных искусств в Париже, где он зародился и где учились многие из наиболее важных представителей стиля.

===== Возрождение и эклектика =====
XIX век наиболее известен как век возрождения старых стилей в архитектуре и прикладном искусстве. Одним из самых известных стилей возрождения является готическое возрождение или готическое возрождение, которое впервые появилось в некоторых домах в Англии в середине 18 века, таких как Strawberry Hill (здание) | Strawberry Hill House в Лондоне. Однако эти дома были единичными случаями, так как начало XIX века характеризовалось классицизмом. Позже, между 1830 и 1840 годами, под влиянием романтизма, развились вкус и ностальгия по новому открытию прошлых стилей, начиная от средневековья до 18 века. Примерно до Первой мировой войны в мире архитектуры и прикладного искусства доминировали вливания прошлого. Возникли ассоциации между стилями и типами зданий, например: Новый египетский стиль|Египетский для тюрем, Неоготика|Готика для церквей или Неоренессанс|Возрождение Ренессанса. Эти решения были результатом других ассоциаций: фараон|фараоны со смертью и вечностью. , Средние века с христианством или семья Медичи|Медичи с расцветом банковского дела и современной торговли. Иногда эти стили также рассматривались с националистической точки зрения, с идеей, что архитектура может олицетворять славу нации. Некоторые из них считались «национальными стилями», например, готическое возрождение в Соединенном Королевстве и немецких государствах или архитектура румынского возрождения | румынский неоренессанс в Румынии. Огастес Уэлби Нортмор Пьюджин | Огастес Пьюгин назвал готический стиль «абсолютным долгом»
Хотя стиль возрождения был настолько широко распространен, это не означает, что этим произведениям не хватало оригинальности. Архитекторы, эбенисты | эбенисты и другие мастера создавали смеси стилей, особенно во второй половине XIX века, извлекая и интерпретируя элементы определенных эпох и регионов. Эта практика известна как «эклектизм». Это стилистическое развитие произошло в то время, когда конкуренция всемирных выставок побудила многие страны изобретать новые методы промышленного производства.


==== Реализм (ок. 1830-1890) ====
Реализм (искусство)|реализм возник в середине 19 века, примерно в 1840 году, и имел аналоги в скульптуре, литературе и театре, которые в литературе часто называют натурализмом (литературой)|натурализмом. В живописи XIX века термин реализм относится к изображаемому предмету, а не к стилю или технике. Реалистичные картины обычно изображают обычные места и людей в повседневной деятельности, в отличие от величественных идеализированных пейзажей, мифологических богов, библейских тем, а также исторических личностей и событий, которые часто доминировали в живописи западной культуры. Гюстав Курбе говорил: «Я не могу нарисовать ангела, потому что никогда его не видел».[190]

Реализм также был частично реакцией на часто драматические, экзотические и эмоционально заряженные произведения романтизма. Термин реализм используется в отношении идеализированных образов неоклассицизма и романтизированных образов романтизма. Такие художники, как Жан-Батист Камиль Коро | Жан-Батист-Камиль Коро и Оноре Домье, имели слабые связи с реализмом, как и члены барбизонской школы, особенно Жан-Франсуа Милле. Но, возможно, именно Гюстав Курбе был центральной фигурой этого движения, называя себя реалистом, защищая реализм и оказав влияние на молодых художников, таких как Эдуард Мане. Существенным аспектом реализма была практика написания пейзажей на пленэре и, как следствие, влияние на импрессионизм.

За пределами Франции реализм воплощают такие художники, как Вильгельм Лейбль в Германии, Форд Мэдокс Браун в Англии и Уинслоу Гомер в США. Историк искусства Х. Гарвард Арнасон | Х. Х. Арнасон писал: «Хронологическая последовательность неоклассицизма, романтизма и реализма представляет собой, конечно, лишь удобное наслоение движений или тенденций, настолько неотделимых друг от друга и от предшествующих движений, что невозможно сказать, где закончилось одно и другое другое. началось»,[208] и это становится еще более актуальным и сложным, если проследить все движения и «измы» конца 19-го и начала 20-го веков.[209][210][211][211][212]


==== Импрессионизм (ок. 1865-1885) ====
Импрессионизм возник во Франции под влиянием реализма, барбизонской школы и художников-пленэров, таких как Эжен Буден, Жан-Батист Камиль Коро | Камиль Коро, Шарль-Франсуа Добиньи | Шарль-Франсуа Добиньи и Йохан Бартольд Йонгкинд. С конца 1850-х годов некоторые импрессионисты завели знакомства и дружбу, будучи студентами в Париже, особенно в свободной Швейцарской академии и в студии Шарля Глейра. Их прогрессивные работы часто отвергались консервативным жюри престижных салонов Академии изящных искусств, форума, на котором многие художники построили свою репутацию. Многие молодые художники были приняты в знаменитый, но высмеиваемый Салон отказников в 1863 году. В 1874 году они основали Анонимное кооперативное общество художников-художников, скульпторов, граверов, которое было независимым от Академии, и провели первую из нескольких выставок импрессионистов в Париже до их восьмой и последней выставки в 1886 году. Наиболее важными представителями этого движения были Фредерик Базиль, Гюстав Кайботт, Мэри Кассат, Поль Сезанн, Эдгар Дега, Арман Гийомен, Эдуард Мане, Клод Моне, Берта Моризо, Камиль Писсарро, Пьер-Огюст Ренуар и Альфред Сислей. Хотя импрессионизм был в первую очередь движением художников, Дега и Ренуар также создавали скульптуры, а другие, такие как Огюст Роден и Медардо Россо, иногда ассоциируются с импрессионизмом. К 1885 году импрессионизм уже достиг определенного уровня известности, и все же молодое поколение уже достигло пределов импрессионизма. Художники из России, Австралии, Америки и Латинской Америки вскоре переняли стиль импрессионизма. Некоторые из первых импрессионистов продолжали создавать значительные произведения в 1910-х и 1920-х годах.

Хотя это и не было беспрецедентным явлением, многие из использованных методов противоречили традиционным методам. Картины часто создавались за часы или дни с использованием мокрой краски по мокрой краске (в отличие от мокрой краски по сухой краске, которая выполнялась за недели и месяцы). Вместо нанесения глазури и смешанных цветов, чистые цвета часто наносились рядом толстыми, непрозрачными, импасто | импасто мазками, которые смешивались в глазах зрителя, если смотреть на них с расстояния. Черный цвет использовался очень экономно или вообще не использовался, а определяющие линии заменялись тонкими цветными штрихами, которые образовывали мотивы, контуры и формы. Картины импрессионистов обычно изображают пейзажи, портреты, натюрморты, домашние сцены, досуг и ночную жизнь, и все это изображено в реалистической манере. Композиции часто основывались на необычных перспективах и казались спонтанными и непринужденными. Картины, как правило, были лишены дидактического, символического или метафорического значения и редко затрагивали библейские, мифологические и исторические темы, столь высоко ценимые академиями, или более темные и психологические интересы, исследуемые символистами. Исследовались нюансы света, тени, атмосферы и цветовые отражения поверхностей, иногда подчеркивая изменения этих элементов с течением времени. Сама картина была предметом картины. Это было L'art pour l'art|искусство ради искусства, идея, которая существовала уже несколько десятилетий, но, возможно, достигла новой высоты и новой стабильности в импрессионизме. галерея widths="150px" heights="150px">


==== Символизм (ок. 1860-1915) ====
Символизм (Изобразительное искусство) | Символизм возник во Франции и Бельгии в третьей четверти XIX века и распространился по Европе в 1870-х годах, а затем, в меньшей степени, в Америке. Он развился из романтизма, не имея четкой или определяющей точки разграничения, хотя поэзия, литература и особенно публикации Шарля Бодлера | «Цветы зла» Шарля Бодлера | «Цветы зла» '') в 1857 году имели важное значение для развития символизма. Он нашел международное выражение в поэзии, литературе, театре и музыке. В архитектуре, прикладном и декоративном искусстве символизм шел параллельно модерну и сливался с ним. Символизм часто неразрывно связан с другими движениями современного искусства, появляясь и находя выражение в других стилях, таких как постимпрессионизм | постимпрессионизм, Наби (художники) | Les Nabis, поэзия декаданса | движение декаданса, конец века | de-Siècle, Art Nouveau|Art Nouveau, Мюнхенский сецессион|Мюнхенский сецессион, Венский сецессион, экспрессионизм и даже прерафаэлиты, которые уже сформировались раньше и также повлияли на символизм. Такие разные художники, как Джеймс Макнил Уистлер, Эжен Карьер, Фердинанд Ходлер, Фернан Кнопф, Джованни Сегантини, Люсьен Леви-Дюрмер, Жан Дельвиль и Джеймс Энсор, все в разной степени имели дело с символизмом. Историк искусства Роберт Л. Делевой писал: «Символизм был не столько школой, сколько атмосферой эпохи». Война I. Однако он нашел некоторое устойчивое развитие и актуальность в метафизической школе Питтура, которая, в свою очередь, оказала глубокое влияние на сюрреализм.
Темы, мотивы и значения символистского искусства часто неясны и непрозрачны, но в лучшем случае им все же удается оказать глубокое воздействие на психологическом или эмоциональном уровне. Темы часто представлены в виде метафор или аллегорий, чтобы вызвать у зрителя весьма субъективные, личные, интроспективные эмоции и идеи, без четкого определения или прямого обращения к теме. Поэт Стефан Малларме писал: «Представляйте не вещь, а эффект, который она производит».

==== Постимпрессионизм (ок. 1885-1910) ====
Постимпрессионизм|Постимпрессионизм — довольно неточный термин, применяемый к разным поколениям художников. В более узком смысле это относится к четырем чрезвычайно влиятельным художникам: Полю Сезанну,[226][227] Полю Гогену,[228][229] Жоржу Сёра,[230][231] и Винсенту Ван Гогу.[232][233] ] Каждый из них прошел импрессионистическую фазу, но в конечном итоге разработал четыре очень оригинальных, но разных стиля. В совокупности их работы предвосхитили и часто непосредственно повлияли на большую часть авангардного искусства, возникшего до Первой мировой войны, включая фовизм, кубизм, экспрессионизм и раннюю абстракцию. Сезанн (оказавший особое влияние на кубизм) и Ван Гог работали в относительной изоляции, вдали от Парижа, в ключевые моменты своей карьеры, в то время как Сёра и Гоген работали в группах и в более тесном сотрудничестве в ключевые моменты своего развития. Другой важный художник этого периода — Анри де Тулуз-Лотрек, влиятельный живописец и график. [234][235] В более широком смысле, постимпрессионизм охватывает поколение преимущественно французских и бельгийских художников, работавших в различных стилях и группах. Большинство из них в какой-то момент попали под влияние импрессионизма, но к середине 1880-х годов их произведения уже вышли за его рамки и раскололись на разные фракции, иногда как логическое развитие импрессионизма, иногда как реакция на него. Постимпрессионисты обычно изображали импрессионистские мотивы, но их работы, особенно синтетизм, часто содержали символизм, спиритизм и атмосферную атмосферу, которые были редкостью в импрессионизме. Неестественные цвета, узоры, плоские плоскости, необычные перспективы и точки зрения, доведённые до крайности, приблизили нас к абстракции и установили новые стандарты для экспериментов.[208][236][237]

Неоимпрессионизм (дивизионизм или пуантилизм, ок. 1884–1894) исследовал свет и цвет на основе научных теорий цвета, создавая мозаику из мазков чистых цветов, иногда расположенных в ритмических узорах с линиями под влиянием модерна. Ведущими художниками были Жорж Сёра и Поль Синьяк, другими были Анри Эдмон Кросс | Анри-Эдмон Кросс, Максимилиан Люс, Альберт Дюбуа-Пийе и иногда Камиль Писсарро | Писсарро и Винсент Ван Гог | Ван Гог. Он оказал влияние на фовизм, элементы этого стиля появились в экспрессионизме, кубизме и ранней абстракции.

Клуазонизм был задуман Эмилем Бернаром (художником) и был немедленно подхвачен и развит Полем Гогеном и другими в колонии художников в Понт-Авене (Бретань, Франция). Стиль был похож на перегородчатую эмаль или витраж, с плоскими, яркими цветами, обведенными черными или темными цветами. Синтезм, выраженный в работах Гогена и Поля Серюзье, представляет собой несколько более широкий термин, с меньшим акцентом на темные границы и перегородчатую эмаль. Среди других художников - Куно Амье, Луи Анкетен, Шарль Филигер, Мейер де Хаан | Якоб Мейер де Хаан, Шарль Лаваль и Арман Сеген (художник) | Арман Сеген. Ее работы оказали большое влияние на фовизм и экспрессионизм.

Наби (художник) | Les Nabis (ок. 1890–1905: иврит для пророков или иллюминатов) был более крупным движением во Франции и Бельгии, которое эклектично опиралось на прогрессивные элементы синтетизма, неоимпрессионизма, символизма и модерна. Возможно, более влиятельным, чем искусство, были многочисленные теории, манифесты и заразительный энтузиазм по поводу авангарда, которые задали тон распространению движений и «измов» в первой четверти 20 века. La Revue Blanche|La Revue Blanche часто публиковала Les Nabis и символистский контент. Работы Эдуарда Вюйяра и Пьера Боннара примерно с 1890 по 1910 год являются образцом для Les Nabis, хотя оба продолжали развивать свой стиль и создавали значительные произведения до 1940-х годов. Среди других художников - Морис Дени, Максим Детомас, Мейер де Хаан | Мейер де Хаан, Анри-Габриэль Ибельс, Жорж Лакомб (художник) | Жорж Лакомб, Аристид Майоль, Поль Рансон, Кер-Ксавье Руссель, Арман-Жан-Франсуа Сеген | Арман Сеген, Поль Серюзье, Феликс Валлоттон, Ян Веркаде и другие.


=== Начало 20 века ===
История искусства XX века — это история бесконечной фрагментации и поиска новых стандартов, разрушаемых один за другим. Художественные движения фовизма, экспрессионизма, кубизма, абстрактного искусства, дадаизма и сюрреализма привели к дальнейшему исследованию новых творческих стилей и выражений. Растущая глобализация | глобальное взаимодействие в это время привело к соответствующему влиянию других культур на западное искусство, например: Б. Пабло Пикассо, находившийся под влиянием иберийской скульптуры, африканского искусства|Африканская скульптура и примитивизма (искусства)|Примитивизма. Японский стиль и японские гравюры на дереве (которые сами по себе находились под влиянием рисунка западного Возрождения) оказали огромное влияние на импрессионизм и последующее художественное развитие. Влиятельный пример Поля Гогена с его интересом к океанскому искусству и внезапная популярность недавно открытых африканских фетиш-скульптур и других произведений неевропейских культур, достигнутая среди ценителей в Париже в начале 20-го века, были проиллюстрированы Пикассо, Анри Матиссом. и многие ее коллеги. Позже, в 20 веке, значение поп-арт и абстрактный экспрессионизм приобрели.

==== Модерн (ок. 1890–1914) ====
Ар-нуво — международное и широко распространенное движение в искусстве и дизайне, возникшее в последние десятилетия XIX века и просуществовавшее до Первой мировой войны в 1914 году. Всемирную известность он получил благодаря Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Развиваясь почти одновременно в некоторых частях Европы и США, это была попытка создать уникальную и современную форму выражения, пробуждающую дух нового века. Оно проявилось в живописи, иллюстрации, скульптуре, ювелирном деле, металлообработке, стекле, керамике, текстиле, графическом дизайне, мебели, архитектуре, дизайне костюмов и моде. Художники модерна стремились поднять статус мастерства и дизайна до уровня изобразительного искусства.

Это движение тесно связано с изогнутыми органическими формами, такими как цветы, усики и листья, а также с животными и другими изображениями, через работы таких художников, как Альфонс Муха|Альфонс Муха, Виктор Орта, Гектор Гимар, Антонио Гауди, Рене Лалик, Отто Экман или Эмиль Галле. Проекты и здания в стиле модерн часто могут быть асимметричными. Несмотря на наличие отличительных особенностей, стиль также имеет множество региональных и национальных интерпретаций.

Хотя это была недолгая мода, она проложила путь модернизму (архитектуре) — современной архитектуре и дизайну 20-го века. Это был первый архитектурный стиль, не имеющий исторического предшественника, поскольку XIX век был известен практикой, известной как историзм, которая включала использование визуальных стилей, сознательно перекликающихся со стилем более раннего художественного периода. Примерно между 1870 и 1900 годами произошел кризис историзма, во время которого историческая культура подвергалась критике. Тем не менее, на модерн также сильно повлияли стили прошлого, такие как кельтское искусство, готика и искусство рококо, а также движение искусств и ремесел, эстетизм, символизм (изобразительное искусство) | Символизм и особенно японское искусство. |Японское искусство.
==== Фовизм (ок. 1898-1909) ====
Фовизм развился из постимпрессионизма и постепенно стал первым крупным движением 20 века. Его создание восходит к 1895 году, когда Анри Матисс, старейшая и центральная фигура, вошел в студию Гюстава Моро в Высшей национальной школе изящных искусств Парижа | Школа изящных искусств. Там он познакомился с Жоржем Руо, Шарлем Камуаном, Анри Мангеном и Альбером Марке. Марке сказал: «Еще в 1898 году мы с Матиссом работали в стиле, который позже назовут стилем фовизма. Первые выставки в «Независимых», где, думаю, мы были единственными, кто писал в чистых тонах, относятся к 1901 году».[245] До 1902/03 года круг единомышленников был вокруг Жоржа Брака и Андре Дерена, Рауля Дюфи, Отон Фриш, Жан Метцингер, Жан Пюи, Луи Вальта, Кес ван Донген и Морис де Вламинк. В отличие от импрессионистов и их долгой борьбы за признание, авангард 1906–1907 годов имел активную аудиторию, а фовисты привлекали в Россию коллекционеров из Америки. Однако фовизм в значительной степени распался в 1908 году с приходом кубизма, и большинство художников начали исследовать другие стили и двигаться в разных направлениях. Только Матисс и Дюфи продолжали работать с фовизмом до 1950-х годов.

Фовисты писали пейзажи-пленэры, интерьеры, фигуры и натюрморты по образцу реализма, импрессионизма и постимпрессионизма. Краску наносили рыхлыми мазками густыми, неестественными, часто контрастными, яркими цветами, иногда прямо из тюбика. Влияние Гогена с его исследованием выразительных ценностей и пространственных аспектов рисунка с помощью плоских, чистых цветов, а также его интерес к примитивизму (искусству)|Примитивизму имели большое значение, как и неоимпрессионизм. Фовизм стал кульминацией перехода от рисунка и линии как основных элементов дизайна в живописи к цвету, и они представляли свои предметы на грани абстракции.


==== Экспрессионизм (ок. 1905-1930) ====
Экспрессионизм — международное движение в живописи, скульптуре, графике, поэзии, литературе, театре, кино и архитектуре. Некоторые связывают Венскую школу (современную) | Вторую венскую школу и другую музыку того периода с этим движением. Большинство историков относят начало экспрессионизма к 1905 году, когда была основана группа художников Brücke (художественная группа)|«Brücke». Однако между 1885 и 1905 годами несколько художников создали влиятельные произведения в духе экспрессионизма, в том числе Ловис Коринт, Джеймс Энсор, Кете Кольвиц, Паула Модерсон-Беккер, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде и Кристиан Рольфс. Многие из этих художников позже выставлялись и присоединились к различным экспрессионистским группам. Для экспрессионистской живописи характерна свободная, спонтанная, часто толстая, пастозная мазок. Он часто передавал то, как художник думал о своем предмете, а не то, как он выглядел, подчеркивая интуицию и внутреннее чутье, а не реалистичные изображения или теории искусства. Экспрессионизм часто был пропитан страхом или радостью, а также общей озабоченностью современной жизнью и социальными проблемами, чего часто не хватало в фовизме, который фокусировался на дизайне, цвете и нейтральных мотивах. Гравюры на дереве особенно заметны в экспрессионизме. Экспрессионизм иногда может пересекаться и интегрироваться с другими стилями и движениями, такими как: Б. Символизм (изобразительное искусство)|Символизм, фовизм, кубизм, футуризм, абстракция и дадаизм. Несколько групп и фракций экспрессионистов появились в разное время и в разных местах.[208][237][208][253][254]

Художники Брюке (художественной группы)|Брюке стремились объединить «все революционные и новые элементы». [253] Он был основан четырьмя студентами-архитекторами Эрнстом Людвигом Кирхнером, Эрихом Хеккелем, Карлом Шмидт-Ротлуфом и Фрицем Блейлем. Они делили студию в Дрездене, где создавали картины, гравюры и гравюры, а также организовывали выставки. Летом они разошлись, чтобы работать самостоятельно. Их первая выставка состоялась в 1905 году, к ней позже присоединились, среди прочих, Эмиль Нольде и Макс Пехштейн в 1906 году и Отто Мюллер в 1910 году. Влияния включали готику | готическое искусство, примитивизм, модерн и события в Париже, особенно Винсента Ван Гога | Ван Гога и фовизма. Группа переехала в Берлин в 1911 году и распалась в 1913 году. «Синий всадник» (1911–1914), основанный Василием Кандинским и Францем Марком, был относительно неформальной группой, которая организовывала выставки искусства Парижа и Европы, а также свои собственные работы. Это была одна из нескольких все более прогрессивных групп, отколовшихся от Художественной академии в Мюнхене, включая Мюнхенский сецессион 1892 года (реалисты и импрессионисты), Фалангу 1901 года (постимпрессионисты), Neue Künstlervereinigung München|Neue Künstler Verein 1909 и Der Blaue Reiter. 1911. Zu Среди художников, связанных с двумя последними группами, были братья Давид Давидович Бурлюк | Бурлюк, Генрих Кампендонк, Алексей фон Явленский, Пауль Клее, Август Маке, Габриэле Мюнтер и Марианна фон Веревкин. Мелодичный альманах «Синий всадник», сборник влиятельных эссе, и книга Кандинского «Василий Кандинский | «О духовном в искусстве» с его идеями о неизобразительном искусстве были опубликованы в 1912 году. «Синий всадник» закончился с началом Первой мировой войны, в которой погибли Маке и Марк.[208][237][255][253][254]

Другие художники, такие как Оскар Кокошка, Эгон Шиле и Рихард Герстль, появились в Австрии. Французские художники Жорж Руо и Хаим Сутин чувствовали себя связанными с этим движением. Среди скульпторов Эрнст Барлах, Вильгельм Лембрук, Герхард Маркс и Уильям Вауэр. Архитекторы, связанные с экспрессионизмом, включают Макса Берга (архитектора) | Макса Берга, Германа Финстерлина, Фрица Хёгера | Иоганна Фридриха Хёгера, Мишеля де Клерк, Эриха Мендельсона, Ганса Пельцига, Ганса Шаруна, Рудольфа Штайнера и Бруно Таута. Der Sturm (журнал) | «Der Sturm» (1910–1932) — журнал с большим количеством экспрессионистского содержания, основанный Гервартом Вальденом. В 1912 году в Берлине была открыта ассоциированная галерея, а в 1918 году — театральный кружок и школа. Фильмы, считающиеся экспрессионистскими, некоторые из которых считаются классикой, включают «Кабинет доктора». Калигари|''Кабинет доктора. Калигари» (Роберт Вине, 1920), «Носферату - Симфония ужаса»|«Носферату» (Фридрих Вильгельм Мурнау|Ф. В. Мурнау, 1922) и «Метрополис» (фильм)|«Метрополис» (Фриц Ланг, 1927). [208][237][255][253][254]

После Первой мировой войны многие художники стали отходить от авангарда. Эта тенденция проявилась в «Neue Sachlichkeit (Art)|Neue Sachlichkeit» (ок. 1919–1933) и, в отличие от ностальгического характера других произведений, характеризовалась разочарованием и беспощадной социальной критикой. Художники «Новой объективности» в основном происходили из экспрессионистских и дадаистских кругов, в том числе Отто Дикс, Кристиан Шад, Рудольф Шлихтер, Георг Шольц (художник) | Георг Шольц и Жанна Маммен. Макс Бекманн и Джордж Гросс также какое-то время были связаны с «Новой объективностью». Хотя Баухаус (1919–1933) не обязательно был экспрессионистом, он был влиятельной немецкой школой, сочетавшей декоративно-прикладное искусство, декоративное и изобразительное искусство. С переездом из Веймара в Дессау и, наконец, в Берлин, направленность школы со временем изменилась и изменилась. Среди директоров были архитекторы Вальтер Гропиус (1919–1928), Ханнес Мейер (1928–1930) и Людвиг Мис ван дер Роэ (1930–1933). В разное время в состав профессорско-преподавательского состава входили Йозеф Альберс, Тео ван Дусбург, Лионель Фейнингер, Йоханнес Иттен, Пауль Клее, Василий Кандинский, Эль Лисицкий, Герхард Маркс, Ласло Мохой-Надь и Оскар Шлеммер. Архитекторы Баухауса оказали большое влияние на международный стиль, который характеризовался упрощенными формами, отсутствием орнаментов, союзом дизайна и функциональности, а также идеей о том, что массовое производство может быть совместимо с личным художественным видением. Когда к власти в Германии пришла Национал-социалистическая немецкая рабочая партия | нацисты, современное искусство было названо «дегенеративным искусством», а Баухауз был закрыт в 1933 году, подавляя модернизм в Германии до конца Второй мировой войны. [255][253][254]


==== Кубизм (ок. 1907-1914) ====
Кубизм заключался в отказе от перспективы, что приводит к новой организации пространства, при которой множатся точки зрения и возникает фрагментация предмета, обнаруживающая предпочтение формы над содержанием изображения. Пабло Пикассо, Жорж Брак и другие художники-кубисты вдохновлялись скульптурами Иберии, Африки и Океании, которые выставлялись в Лувре и этнографическом музее Трокадеро и предлагались на блошиных рынках и в торговых залах.

«Пикассо исследует предмет, как хирург препарирует труп», — писал критик и поэт Гийом Аполлинер в 1913 году. Пятью годами ранее Пабло Пикассо и Жорж Брак — друзья, коллеги и соперники — начали исследовать перспективный реализм (искусство). отказаться от реализма в пользу формы художественного вскрытия: совершенно революционного стиля живописи, изображавшего предметы аналитически, объективно и совершенно безлично.[260]


==== Арт-деко (ок. 1920-1940) ====
Арт-деко появился во Франции как стиль роскоши и современности. Вскоре он быстро распространился по всему миру, особенно резко в Америке, и в 1930-х годах стал все более упорядоченным. Стиль получил свое название в честь Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства, проходившей в Париже в 1925 году. Его энтузиазм и воображение отражали дух «ревущих 20-х» и позволили уйти от реальности Великой депрессии 1930-х годов. На него оказали влияние греческое искусство | Древняя Греция, римское искусство | Древний Рим, африканское искусство | Африка, ацтеки и японское искусство | Япония, а также влияние футуризма | Футуризма, кубизма | Кубизма и Баухауза. Иногда он сливался с новоегипетским стилем, что можно объяснить открытием KV62|Гробницы Тутанхамона в 1922 году и возникшим в результате этого Древним Египтом в западном воображении|Египтоманией. Примером тому является кинотеатр Le Louxor в Париже (1919–1921). В декоративном искусстве, в том числе в архитектуре, использовались барельефы, угловатые узоры и формы. Преобладающие материалы включают хромированный электролит|хромированный и латунный|металл латунного цвета, полированную сталь и алюминий, инкрустированное дерево, камень и витражи.

Среди ключевых художников ар-деко — польская художница из Парижа Тамара де Лемпицка, французский художник-плакатист украинского происхождения Адольф Жан-Мари Мурон, известный как А. М. Кассандр | Кассандр, и французский дизайнер мебели и дизайнер интерьеров Жак-Эмиль Рульманн | [262][263]

==== Сюрреализм (ок. 1924–1966) ====
Сюрреализм развился как фракция дадаизма и официально объявил о своем основании в 1924 году с «Манифестом сюрреализма» Андре Бретона.[264] Первоначально это была литературная группа поэтов и писателей в Париже, но вскоре она превратилась в международное движение, в которое вошли художники, скульпторы, фотографы и кинематографисты. «Второй манифест сюрреализма» был опубликован в 1929 году.[265] Сюрреализм не оказал существенного влияния на прикладное или декоративное искусство, архитектуру или музыку. Маленькая и недолговечная «Питтура метафизика» (ок. 1910–1921) с Джорджо де Кирико в качестве главного героя оказала большое влияние на сюрреализм. . Сюрреалисты исследовали множество инновационных техник, некоторые из которых были недавно разработаны в кубизме и дадаизме, другие - новые, включая коллаж, найденные объекты, сборки, случайность, лучографии (фотограммы), рисование на песке, капание и разбрызгивание краски, декалькомания | Декалькомания, фроттаж, фумаж и ракляж. В сюрреалистическом искусстве преобладают два основных подхода. В первые годы доминировал автоматизм (искусство) | Автоматизм, который можно увидеть в работах таких художников, как Андре Массон и Жоан Миро. Другие художники, находящиеся под влиянием работ Джорджо де Кирико, использовали более традиционные методы и средства для иллюстрации нефильтрованных мыслей и нелепых сопоставлений, в том числе Сальвадор Дали и Рене Магритт. В число выдающихся художников входят Ханс Арп | Жан Арп, Ханс Беллмер, Виктор Браунер, Луис Бунюэль, Джозеф Корнелл, Оскар Домингес, Макс Эрнст, Вифредо Лам, Ив Танги, Ман Рэй, Альберто Джакометти, Мерет Оппенгейм | Мерет Оппенгейм и Роберто Матта. Среди других важных художников, неофициально исследовавших сюрреализм, — Марсель Дюшан, Пабло Пикассо и Фрида Кало. Сюрреалистические идеи и теории обсуждались в ряде периодических изданий: La Revolution surréaliste|''La Révolution Surréaliste'' (1924–1929), Le Surrealisme au service de la Revolution|''Le Surrealisme au service de la revolution'' (1930). –1933), «Минотавр» (1933–1939), ВВВ (журнал) | «ВВВ» (1942–1944). Картины Андре Массона и Жоана Миро, а также поздних представителей сюрреализма, таких как Роберто Матта и Аршил Горки, оказали значительное влияние на абстрактный экспрессионизм в конце 1940-х годов. 270 ][271]

С определенной степенью непочтительности и презрения дадаистов к традиционным политическим, религиозным и гражданским ценностям западной культуры, которые, по их мнению, привели мир к Первой мировой войне (Бретон и другие члены-основатели были ветеранами), сюрреалисты исследовали возможности, которые Зигмунд Фрейд открыто говорил о подсознании: «Чистый психологический автоматизм, с помощью которого человек хочет выразить фактическое функционирование ума устно, письменно или каким-либо другим способом. Диктовка мысли, без какого-либо контроля со стороны разума и вне каких-либо эстетических или моральных соображений». [269][270][271]


===Середина и конец 20 века ===
Когда Европа оправилась от Второй мировой войны, Соединенные Штаты оказались в положении политической, экономической и культурной силы. В 1940-х и 1950-х годах абстрактный экспрессионизм превратился в первое специфически американское художественное движение, имеющее международное влияние. В результате фокус мира искусства сместился с Европы на Нью-Йорк. Абстрактные экспрессионисты представляли собой небольшую группу художников со схожими взглядами, но разными подходами. Под влиянием сюрреализма они верили в спонтанность, свободу самовыражения и отход от тем американской жизни, которые формировали национальное искусство в последние десятилетия. Одним из самых известных представителей этого движения был Джексон Поллок, известный своими картинами, которые он создавал, разливая, разбрызгивая и капая краску на огромные холсты, лежащие на полу. Среди других художников были Виллем де Кунинг, Франц Клайн, Роберт Мазервелл, Барнетт Ньюман, Марк Ротко и Клиффорд Стилл.

После Второй мировой войны потребительство и средства массовой информации распространились, и в результате поп-арт развился как в Лондоне, так и в Нью-Йорке. На лондонской выставке 1956 года слово «поп» использовалось в коллаже, сделанном из американских журналов Ричардом Гамильтоном (художником) | Ричардом Гамильтоном (1922–2011). Поп-арт был реакцией на абстрактный экспрессионизм и интерпретацией идей поп-культуры. Прославляя и комментируя потребительство, так называемые поп-художники создавали красочные образы, основанные на рекламе, средствах массовой информации и покупках, изображая кинозвезд, комиксы, флаги, упаковку и еду – вещи, которые могут относиться к каждому, а не только к одному. немногие интеллектуалы могли это идентифицировать.

Термин «Минимализм (визуальное искусство) | Минимализм» не был новым, но он приобрел значение в 1960-х годах и, в частности, описывал художественный стиль, характеризующийся отстраненной сдержанностью. Зародившись в Нью-Йорке, этот стиль был реакцией на абстрактный экспрессионизм, но также включал в себя идеи конструктивизма (искусства) | конструктивизма о том, что искусство должно создаваться из современных материалов. Поэтому художники-минималисты, особенно скульпторы, часто использовали нетрадиционные материалы и методы производства, часто поручая промышленным или специализированным производителям создавать работы по их спецификациям. Этот термин в основном использовался для описания группы американских скульпторов, которые переоценили пространство вокруг себя, чтобы бросить вызов предположениям и представить знакомые объекты по-новому. Ее работы не имеют никакого символизма или скрытого значения, поскольку они пытаются позволить зрителям по-новому оценить искусство и пространство вокруг форм. В отличие от фигуративной скульптуры, на которой зритель фокусируется, исключая пространство, в котором она стоит, минималистское искусство становится единым со своим пространством. Подчеркивая эффекты контекста и театральность зрительного опыта, минимализм оказал косвенное, но мощное влияние на более позднее развитие концептуального искусства и перформанса, обеспечивая основу для возникновения постмодернизма. Постмодернизм.

Хотя концептуальное искусство появилось почти через 50 лет после идей Марселя Дюшана, оно показало, что искусство не всегда нужно оценивать эстетически. Это никогда не было единое, последовательное движение, а скорее общий термин, который сейчас охватывает несколько видов искусства и возник более или менее одновременно в Америке и Европе, впервые определенный в Нью-Йорке. Художники-концептуалисты пропагандируют искусство идей или концепций, предполагая, что они могут иметь большую ценность в современном мире, чем технические навыки или эстетика. Независимо от среды, в которой создается произведение искусства, оно рассматривается просто как средство представления концепции. В крайних случаях концептуальное искусство полностью отказывается от физического объекта и использует устные или письменные сообщения для передачи идеи.[273][274][275]

Традиционно многие творческие виды деятельности, такие как шитье, ткачество и лоскутное шитье, считались женской работой, назывались ремеслами, и им было отказано в одобрении и общественном признании так называемых изобразительных искусств, таких как скульптура и живопись. Многие художники теперь бросили вызов этой иерархии, либо расширив сферу изобразительного искусства, такого как скульптура, создав мягкие скульптуры из нетрадиционных материалов и используя нетрадиционные процессы, либо переопределив материалы и методы так называемого искусства и ремесел, которые они заявляли. публично выставляли свои работы в музеях и галереях и тем самым повышали статус декоративно-прикладного искусства.[1 ] Среди художников XX и XXI веков Те, кто сделал к этим радикальным изменениям относятся Мария Монтойя Мартинес|Мария Мартинес, Анни Альберс, Люси Ри, Ленор Тоуни, Луиза Буржуа, Мириам Шапиро, Фэйт Рингголд, Магдалена Абаканович и Шейла Хикс.

Подробнее: [url]https://de.wikipedia.org/wiki/Geschichte_der_Kunst[/url]