Герман Черри ⇐ Васина Википедия

[wiki_en]

«Герман Черри» (1909–1992) был художником-абстракционистом | беспредметным абстракционистом, который участвовал во всех пяти выставках в галерее Stable Gallery на Манхэттене в период с 1953 по 1957 год и получил свою первую персональную работу в Нью-Йорке. выставка в Стейбле в 1955 году. В начале 1930-х годов он был студентом сначала художника-синхромиста Стэнтона Макдональда-Райта в Лиге студентов-художников Лос-Анджелеса, а затем художника-регионалиста «Регионализм (искусство)» Томаса Харта Бентона (художник )|Томас Харт Бентон в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. После этого Черри управлял небольшой галереей Stanley_Rose#“Back_room”|в голливудском книжном магазине, где он устроил Филипу Гастону свою первую выставку и где позже прошла его первая персональная выставка. Перейдя от соцреализма | соцреализма к кубизму | кубистической абстракции в 1940-х годах, Черри присоединилась к художникам, которые позже стали известны под общим названием Нью-Йоркская школа (искусство) | Нью-йоркская школа, в создании стиля, который позже стал известен как Абстрактный экспрессионизм. Ключевыми членами этой группы были друзья Черри Франц Кляйн и Виллем де Кунинг.

Зрелые работы Черри были совершенно абстрактными. Известный как искусный колорист, он часто пользовался благосклонным вниманием критиков и искусствоведов. В 1984 году историк искусства Хелен А. Харрисон писала: «В то время, когда многие художники, кажется, возмущены самой краской, используют ее грубо и мало обращают внимания на присущую ей красоту, Черри выглядит чем-то вроде романтика. Его очевидное очарование средой выражается в тональных отношениях. это направление настолько же уважительно относится к индивидуальности каждого цвета, насколько чувствительно к результатам их конфронтации и взаимодействия».

За свою почти шестидесятилетнюю карьеру работы Черри часто появлялись на персональных и групповых выставках в коммерческих галереях, музеях и галереях коллективов художников. На протяжении всей своей карьеры он принимал активное участие в ассоциациях художников, читал лекции по искусству, преподавал искусство в качестве приглашенного профессора, писал статьи для художественных журналов и выпустил сборник стихов. Он родился в Нью-Джерси в семье эмигрировавших из Восточной Европы, вырос в Филадельфии и Лос-Анджелесе, а затем провел большую часть своей взрослой жизни в Манхэттене, Вудстоке, Нью-Йорк|Вудсток и Ист-Хэмптон, Нью-Йорк|Ист-Хэмптон, Нью-Йорк. Йорк.

==Молодость и обучение==

Черри родилась в Атлантик-Сити, штат Нью-Джерси, и выросла в Филадельфии, штат Пенсильвания. В конце жизни он рассказал интервьюеру, что его родители противились его детскому интересу к искусству. Тем не менее, когда ему было двенадцать, он начал посещать бесплатные уроки рисования в Филадельфийской школе Samuel S. Fleisher Art. Memorial#Клуб графических эскизов|Клуб графических эскизов. Три года спустя, живя тогда в Лос-Анджелесе, он бросил школу и нашел работу сценографом в студии 20th Century Studios. | Киностудия 20th Century Fox. В 1927 году небольшая компенсация, которую он получил как жертва автомобильной катастрофы, позволила ему поступить в качестве киностудии. вечерняя студентка Колледжа искусств и дизайна Отиса | Институт искусств Отиса. Стипендия и работа школьным смотрителем позволили ему продолжить обучение в течение двух лет. художник-синхромист Стэнтон Макдональд-Райт с его пониманием цвета. Он сказал: «Дело не в том, что он учил меня цвету. Он заставил меня увидеть цвет». Покинув Лос-Анджелес, он скитался по Калифорнии в качестве странствующего чернорабочего, а затем стал помощником повара на грузовом судне, направлявшемся в порты Северной Европы. Покинув корабль в Польше, он провел часть 1930 года, разглядывая картины в немецких музеях и галереях, а затем нашел работу на другом корабле, направлявшемся в Саванну, штат Джорджия. В том же году он также получил свою первую персональную выставку в коммерческой галерее Манхэттена. Эта выставка в галерее Weyhe вызвала положительные отзывы в нью-йоркской прессе, в том числе отзыв Эдварда Олдена Джуэлла из New York Times, восхваляющий остроумие и изобретательность некоторых мобильных и стабилизированных устройств, которые Черри назвала пиктограммами. ="New York Times, апрель 1947 г."/> Другой рецензент сказал, что «здесь нет великого вида искусства, а есть незатейливый, оригинальный смех», а третий сказал, что они «все очень умные, очень веселые и, конечно, очень изысканные. В фоторепортаже с выставки репортер журнала Life отметил, что большинство мобильных телефонов были были проданы, и цитировал Черри, который сказал, что сделал их просто для развлечения. Второе соло последовало в Вейхе в 1948 году.

Осенью того же года Черри и Уинтерс отправились во Францию ​​в путешествие, финансируемое стипендией Гуггенхайма, которую она выиграла. Она вернулась в следующем году, а Черри осталась за границей. В течение оставшейся части 1949 года он посетил южную Францию ​​и Италию, делая цветные слайды фотографий и собирая материалы для лекций, которые он планировал прочитать по возвращении в США. Находясь во Франции, он встретил Анри Брейля, археолога, который контролировал доступ к пещерам Ласко и впоследствии стал одним из первых американцев, наблюдавших содержащиеся в них доисторические картины. После своего возвращения он провел часть 1951 года путешествовал по Южной Америке с той же целью.

Некоторое время живя на Манхэттене и недавно развевшись с Уинтерсом, он подружился с Виллемом де Кунингом, Францем Кляйном, Филипом Гастоном и другими художниками. Он собрался с ними в таверне «Кедр» и был принят в Клуб (изящные искусства) — клуб, который эта группа создала для обсуждения культурных тем. Многие члены группы, как позже сообщил критик, «прилагали усилия, чтобы прийти к новой, эмоциональной абстракции». Позднее к этим художникам будут применены ярлыки «абстрактный экспрессионист» и «Нью-йоркская школа». Черри не участвовал в первой из спонсируемых художниками выставок, проведенных группой в пустующем магазине на Восточной 9-й улице в Манхэттене в 1951 году, но он помог организовать и принял участие во всех пяти выставках в Stable Gallery, которые они проводили в период с 1953 года. и 1957 г.
Во второй половине 1950-х годов Черри делала цветные фотографии в нью-йоркских галереях для компании по производству цветной прозрачности под названием Contemporary Slides. нужен был слайд с работой члена Нью-Йоркской школы (термин тогда не использовался), вы не пошли в Метрополитен-музей, в котором, несмотря на размер его обширной коллекции, не было ни де Кунинга, ни Поллока, ни или Ротко в наличии, точнее, вы назвали «Современные слайды».

Персональные выставки Черри прошли в галерее Танагер в 1958 году и в галерее Пойндекстер в следующем году. Оба получили положительные отзывы в «Art News», последний утверждал, что в то время он был «живым проводом мира искусства». "/> Второе соло Пойндекстера в 1961 году получило еще одну положительную рецензию в журнале "Art News".

К этому времени Черри проводил большую часть своей трудовой жизни, преподавая искусство в качестве приглашенного профессора в колледжах и университетах США, и многие персональные и групповые выставки, в которых он участвовал, соответственно, проводились за пределами Нью-Йорка. Пока он работал постоянным художником в Университете Кентукки, Черри устроили персональную выставку недавних картин в художественной галерее школы. В статье в местной газете рецензент сказал, что изображения содержат «смелые и радостные формы». Тот же рецензент отметил, что работы Черри «широко представлены в важных частных и государственных коллекциях».

В 1970 году, проведя летние месяцы предыдущих нескольких лет в аренде, Черри купила небольшой дом и немного земли в Ист-Хэмптоне на Лонг-Айленде, штат Нью-Йорк.

Примерно с 1975 по 1981 год Черри работала по программе, финансируемой Законом о комплексной занятости и обучении. За это время он рисовал фрески по всему Нью-Йорку.

В 1983 году галерея Grason в Чикаго устроила Черри первую ретроспективную выставку. Охватывая период в 25 лет, от его последних соло в коммерческих галереях Нью-Йорка до настоящего времени, выставка продемонстрировала, по словам одного рецензента, его «высокий уровень достижений» в период, когда он проводил большую часть своего времени. преподавание, чем рисование. Год спустя Американская академия искусств и литературы вручила Черри премию в области искусства. Позже в том же году персональная выставка в галерее Ист-Хэмптона вызвала восхищенную рецензию в журнале «Искусство в Америке». Еще позже, рассматривая соло в галерее Луизы Росс, Хелен А. Харрисон дала картинам Черри самое обширное и детальное рассмотрение, которое они до сих пор получали. Она писала: «Черри часто характеризуют как «художника художника», термин, который, как мне кажется, подразумевает, что простым смертным не понравится и не поймет, что он задумал. В течение многих лет его самой благодарной аудиторией были его коллеги-художники, отчасти потому, что только коллега мог бы полностью осознать интенсивность его борьбы с самыми чистыми проблемами живописи. расширяет наше осознание возможностей краски, апеллируя непосредственно к чувствам, опровергает любую опасность того, что она останется интересной только для специалиста».

С 1988 по 1993 год Черри была представлена ​​галереей Луизы Росс в Нью-Йорке.

В 1989 году, когда Художественная галерея государственного университета Болла устроила Черри ретроспективную выставку из 60 работ, датированных 1930-ми годами, критическая реакция была одновременно обширной и полностью положительной. Рецензент местной газеты сказал, что Черри, которому тогда было 80 лет, в настоящее время создает картины, которые были «сильнее, чем когда-либо», и описал свои ранние работы как «мрачные и глубокие» или обладающие «всеохватывающим блеском». ref name="Star Press, январь 1990"/> Лоуренс Кэмпбелл в статье «Искусство в Америке» сказал, что в картинах этой выставки «цвета таинственным образом приходят и уходят», и процитировал комментарий Черри о том, что, по его мнению, картины имел «резонанс от глубины холста до открытого неба». Когда репортер спросил его о том большом внимании, которое ему оказывали в последнее время, он сказал, что не мог зарабатывать на жизнь продажей произведений искусства, пока ему не исполнилось 70 лет, добавив: «Я не понимаю, почему я устраиваю эти выставки. Я немного удивлен. Не то чтобы я этого не заслужил, но почему именно сейчас?» Вспоминая те дни, когда он и другие абстрактные экспрессионисты собирались, чтобы выпить и обсудить свои работы, он сказал: «Это был очень поучительный период для меня. Я никогда не встречал таких художников, как эти, которые были умными, воинственными и мне наплевать на успех или деньги».

Другие персональные выставки Черри в 1989 году включали выступления в галерее Аниты Шапольски и галерее Луизы Росс на Манхэттене, а также в художественной галерее колледжа Баруха и художественной галерее Университета Стоуни-Брук | Государственный университет в Стоуни-Брук на Лонг-Айленде. name="Newsday, июль 1989 г."/>

Рассматривая выставку в Стоуни-Брук, Хелен А. Харрисон рассказала о карьере Черри с того момента, как он стал, по ее словам, «глубоко вовлеченным в то, что можно было назвать переосмыслением живописи в годы после Второй мировой войны», и продолжила описание его недавняя работа, имеющая «мерцающие слои тона, [которые] больше не движутся по плоской, одномерной плоскости, а теперь переходит в рельеф, продвигаясь и отступая, как и дрейфующий лед, отражается в неявном движении, которое предполагают многие из его картин. ." В заключение она сказала: «Мистер Черри — мастер света, вызывающий сияние, которое, кажется, исходит изнутри самих холстов».

|quote = Замечательным качеством был его стойкий оптимизм и преданность живописи и искусству. В последние годы своей жизни он работал бесконечно, сохраняя все свои способности перед лицом хронической изнурительной болезни. Его озорной идеализм и невинность всегда привлекали тех, кто встречал его впервые, а также тех, кто знал и любил его много лет. Это был поистине незабываемый персонаж и человек поразительной честности. |ширина=50%
|выровнять=вправо

В начале 1992 года Черри участвовала в персональной выставке в галерее Луизы Росс. Он умер дома в своей студии на Мерсер-стрит несколько месяцев спустя, 10 апреля 1992 года. Ослабленный сердечным приступом в 1975 году, его смерть наступила в результате сочетания болезни сердца и печени. В течение следующего десятилетия его работы продолжали демонстрироваться в Нью-Йорке. Галерея изящных искусств Гэри Снайдера организовала персональную выставку в 2002 году и выставку трех художников в следующем году. В 2004 году Колледж Университета Лонг-Айленда представил сольную выставку, и Финдли снова показывал свои работы сольно в течение следующих трех лет. К 100-летию со дня своего рождения Финдли представил ретроспективу, а в 2009 году устроил последнюю презентацию своего искусства. Он регулярно участвовал в выставках, проводимых Ассоциацией художников Вудстока и другими некоммерческими организациями, а также коммерческими галереями и музеями по всей стране.

==Стиль и техника==

|quote = [T]Возможность неудачи всегда присутствует. А вместе с этим и возможность успеха. Я имею в виду, это надежда... Это также заноза в заднице, потому что она постоянно выводит вас из равновесия в вашей жизни... и в то же время, когда это вас беспокоит, это единственное, что вас удерживает. |ширина=50%
|выровнять=влево

Самые ранние картины Черри были фигуративными и, как считалось, были вдохновлены европейскими традициями. Один критик описал автопортрет Черри 1927 года (показанный в информационном окне выше) как «явно вдохновленный французами: неуклюжий игрок в карты Сезанна с сильной рукой, сжимающий трубку». картины 1930-х годов были фигуративными в преобладающем в то время стиле «Регионализм (искусство)#Американская живопись сцены|Американская сцена». Прежде чем перейти от фигуративной живописи к абстрактной, он добился своего первого коммерческого успеха в создании объектов, которые он назвал пиктограммами. стойки, сделанные из небольших найденных предметов, таких как проволока, веревка, цепи и фрагменты стекла. Критик, следивший за карьерой Черри близко, предположил, что он отказался от создания этих конструкций и вернулся к живописи в основном потому, что чувствовал, что они привлекают не то внимание. Он хотел, чтобы к нему относились серьезно, а не как к создателю остроумных и беззаботных бесед. «Герман Черри Джадда Талли, 1989»/> Во время интервью по устной истории в 1965 году Черри рассказал о своем последующем переходе к абстракции. Переехав в Манхэттен в конце 1940-х годов, он подружился с Клайном, де Кунингом и другими художниками, которые изо всех сил пытались разработать новый подход к живописи. Что касается важности его участия в их исследованиях, он позже сказал: «Я думаю, что очень редко кто-то, работая в одиночку, придумывает что-то, что намного опережает его время... Обычно это своего рода групповые действия».< ref name="Устная история Вишня 1965"/> Его литография под названием "Догма" (Изображение № 1), выполненная в конце 1940-х годов, является одной из первых его работ в новом стиле, который он тогда развивал.

В заявлении художника о том, что Черри внес свой вклад в каталог выставки Stable Gallery 1953 года, он обсудил сложность достижения абстракции в живописи и сказал, что при применении цвета, по его мнению, он может одновременно занимать свое собственное эмоциональное пространство и поддерживать структуру картины. Цвета, по его словам, были «костями краски».
Черри также говорила о цветах, которые взаимодействуют друг с другом и отталкиваются друг от друга, вызывают симпатию или антагонизм и вызывают чувства удовольствия или отвращения.
Стиль Черри мало изменился между годами его персональных выставок в Нью-Йорке в 1950-х и 1960-х годах и 1970-ми годами, когда он часто путешествовал, и 1980-ми годами, когда он тихо жил в Ист-Хэмптоне. Рассматривая его соло в Luise Ross в 1982 году, критик сказал, что его нынешний стиль представляет собой синтез, достигнутый после многих лет экспериментов. Написав, что «его оттенки имеют сочность бархата», критик далее сказал, что некоторые картины на выставке продемонстрировали эстетическую зрелость и техническое мастерство «на пике». В 1989 году Хелен А. Харрисон повторила эти комментарии. Она писала, что в этот период он разработал и усовершенствовал «яркий подход к цвету, который придает его полотнам характерную чувственность и яркость». Утверждая, что в своих картинах Черри создавал «слои тона и текстуры с безошибочным мастерством и чувствительностью», она обсуждала синтез, в котором его обращение с цветом создавало «сдержанную вибрацию, которая заставляет [картины] казаться почти электрически заряженными. « В это время была показана картина Черри «Обрезка» (изображение № 6).

В 1989 году Хелен А. Харрисон описала картину Черри «Чужой свет» (изображение № 7) как светящуюся, «вызывающую сияние, которое, кажется, исходит изнутри». Она сказала, что его картина под названием «Укиё-э» (изображение № 8) одновременно стимулировала ум и чувства. Она написала: «Его центральное поле темных серых тонов мерцает, как темное облако, проплывающее над бассейном, в то время как линейные элементы парят над поверхностью. По краям появляются пятна ярких цветов, усиливая интроспективное настроение и обеспечивая хроматическое разнообразие. Как следует из названия , это парящий мир, в котором форма и тон, а также линия и плоскость существуют в гармоничном равновесии».

Черри впервые сделала экспериментальные монотипные отпечатки в 1960-х годах. Здесь представлена ​​монотипия «Вторжение 1963 года», изображение № 5. Хотя эти напечатанные вручную работы были выполнены в том же стиле, что и его картины, критики сочли их более свободными и менее строго контролируемыми. Один сказал, что у них было «приятное, легкое и воздушное ощущение», а другой сказал, что их «живая формальная импровизация и спонтанность жестов» отражают раскованную точку зрения.

В 1965 году Черри сказала в интервью, что художникам не следует слишком беспокоиться о технике. Он чувствовал, что слишком большое внимание к механике живописи мешает художнику осознать «выразительную силу» картины. Отвечая на вопрос в интервью на эту тему, он сказал: «Художник, по сути, пытается достичь какой-то точки, где он сможет лучше всего сказать то, что он хочет сказать. И все, что он хочет от медиума, — это чтобы он не мешал ему». . Вот и все. И он определенно не хочет стесняться этого». акрил стал популярен. «В своих картинах, — сказал он, — я все еще использую масло. В этом смысле я очень старомоден. Новые пластиковые краски подходят для того вида искусства, которым они сейчас занимаются. Я понимаю такое отношение — они быстро сохнут. .Художники хотят закончить свое произведение в спешке. Масляная краска подобна Природе. Природа не случайна». Работая в студии, он в основном рисовал на холсте, а когда он путешествовал, как и в течение длительного периода, когда он путешествовал по стране, преподавая в качестве приглашенного профессора, он в основном рисовал на бумаге.

Некоторые из его картин на холсте содержали участки с густым слоем пигмента, соседствующие с участками, прокрашенными тонким слоем. ="Журнал искусств, ноябрь 1984 г."/>

Он сказал, что его подход к живописи был недисциплинированным. Он без особого сознательного размышления выбирал тему для группы картин, а затем создавал до 100 картин, используя это единственное вдохновение. Когда он почувствует, что исчерпал свои возможности, он может подготовить одну большую работу, прежде чем отказаться от темы и двигаться дальше.

==Учитель рисования==

В 1930-х и 1940-х годах, живя в Лос-Анджелесе, Черри преподавал в своей студии частные вечерние занятия. получил второе из двух соло Пойндекстера, интерес к абстрактному экспрессионизму среди критиков и коллекционеров достиг пика, и началась эра поп-арта и минимализма (изобразительного искусства) | минимализма. Поскольку галеристы больше не были заинтересованы в показе его картин, он все больше полагался на свою работу в качестве приглашенного преподавателя в колледжах и университетах, чтобы заработать на жизнь.

Вот некоторые из должностей, которые он занимал в то время. Если не указано иное, этот список взят из «Нью-Йоркской школы»; Культурный расчет», Дор Эштон (1973, Viking Press, Нью-Йорк). * 1957 г., Университет Миссисипи
* 1958 г., Университет Южного Иллинойса, Карбондейл
* 1958–1959 гг. Калифорнийский университет, Беркли.
* 1965 г., Калифорнийский университет, Беркли
* 1966 г., Университет Кентукки.
* 1968–1970 Стоуни Брук, Саутгемптон | Саутгемптонский колледж, Саутгемптон, Нью-Йорк
* 1970-74 Муниципальный колледж Кингсборо, Нью-Йорк
* 1974 г., Школа дизайна Парсонс, Нью-Йорк
* 1974 Нью-Йоркская школа-студия рисунка, живописи и скульптуры | Нью-йоркская школа-студия
* 1981 г., Университет Миннесоты
* 1981 г., Нью-Йоркская школа-студия
* 1984 г., Нью-Йоркская школа-студия
* 1988 Институт Пратта, Нью-Йорк

Черри также прочитал много лекций. В 1950-х и 1960-х годах он выступал с неформальными беседами или слайд-презентациями в таких местах, как Вудсток, Нью-Йорк; Университет штата Айова, Эймс; Бард-колледж, Аннандейл-он-Гудзон; и Калифорнийский университет в Лос-Анджелесе.

==Художник==

Искусствовед и журналист Джадд Талли, который хорошо знал его, писал, что Черри мог бы зарабатывать себе на жизнь писателем, если бы захотел.

В 1940 году Черри написал необычную книгу, посвященную современному французскому искусству, под названием «Альбом искусства». Задуманный как первый в серии, он содержал статьи о шестнадцати французских художниках современного периода с репрезентативными работами каждого из них. из них. Выпущенный в альбомном формате одиннадцать на четырнадцать дюймов, он содержал пустые страницы, обращенные к страницам с текстом, и давал указания читателям вставлять свои собственные репродукции произведений искусства в отведенное место. Издатель сообщил, что Плохие продажи вынудили отменить сериал после выхода первого номера.

В 1951 году Черри написал эссе для книги, содержащей произведения художников («Искусство художника», составленное Артуром Азиденбергом, 1951, Crown Publishers, Нью-Йорк). Взяв в качестве темы «Состояние живописи», он раскритиковал художников, чьи работы он считал «блестящими, дерзкими, законченными и оформленными», и прославил «ищущего художника», который работал в «ужасающем одиночестве», создавая «индивидуальные работы». Он сказал, что «подвижные эксперименты» современных художников поощряются новой практикой привлечения работающих художников на факультеты академического искусства, чтобы помочь студентам решить современные проблемы, которые их окружают.

В 1954 году он написал статьи для номеров «Art Digest» от 1 августа и 15 ноября. В первой статье, озаглавленной «Вудсток: потерянный рай», он возражал против облагораживания колонии художников в этом сообществе. Пожаловавшись, что многие художники живут «приятной жизнью в прекрасных домах, окруженных посетителями, погрязшими в приукрашенной богеме», он сказал, что местные галереи обслуживают публику, которая мало что знает об искусстве. Тем не менее, он высоко оценил щедрость сообщества в поддержке бедных художников и его энергичное спонсорство фестивалей, конференций и лекций.

Вторая статья представляла собой обзор персональной выставки скульптуры Сеймура Липтона в галерее Betty Parsons#Gallerist|Betty Parson's Gallery в Нью-Йорке. Черри сказала, что работа Липтона «говорит о внутренней форме, как о сердцевине дерева, соке, позвоночнике человека; она говорит о внутреннем напряжении… [и является] центробежной,… вырванной за пределы основания, парящий изнутри и сверкающий преломленным светом».

В 1956 году журналы «Art Digest» и «Craft Horizons» опубликовали написанные им статьи. Первый из двух, названный «Возвращение к Лос-Анджелесу», представлял собой иллюстрированное обсуждение искусства и художников этого города. Он видел большую активность, но предположил, что это свидетельство страсти коллекционеров может быть не более чем «новой формой терапии, стимулируемой огромным наплывом психиатров ради голливудской добычи». Он объяснил, что многие голливудские киномагнаты обратились к искусству как к терапии и начали брать уроки у городских художников. Однако «самым важным фактором сегодняшней художественной сцены Лос-Анджелеса», сказал он, «остается своеобразная смесь провинциализма и утонченности, которая доминирует во всем. Зрелые взгляды и зрелые работы существуют бок о бок с фантастическим невежеством». «Сильное чувство культурной неполноценности, — писал он, — превратилось в форму агрессивного шовинизма». Тем не менее, он видел надежду в появлении нескольких частных галеристов, которые были в контакте с художественной сценой Нью-Йорка, и нескольких академических факультетов искусства, таких как факультет Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе, где работали художники-преподаватели». полны энтузиазма в своей работе» и продолжают заниматься искусством, одновременно занимая преподавательские должности.

Статья, которую он написал для Craft Horizons, касалась художника-абстракциониста Джозефа Меерта, который тогда выставлял абстрактные работы в витражах в галерее Stable. Черри описал проблемы, с которыми столкнулся художник, и экспериментальные методы, которые он использовал для достижения импровизационных результатов. В заключение он сказал следующее: «Для Йозефа Меерта одно основное различие между живописью и витражом является непримиримым. Он считает, что витраж живет только половину жизни без архитектурной опоры, тогда как живопись живет своей собственной жизнью и может жить где угодно. . Потребность художников в прошлом в стене, на которой можно рисовать, имеет современный эквивалент для дизайнеров витражей — здание, с которым можно работать».

В 1957 году Черри написала сатирическую рецензию на книгу Селдена Родмана «Беседы с художниками» (1957, Девин-Адэйр, Нью-Йорк) . В нем он подражал стилю прозы Родмана, осуждая при этом искажение автором фактов и незнание современного искусства и художников. В одном из разделов он обсудил «дикие заявления», сделанные автором о Виллеме де Кунинге, заявив, что они представляют собой «аккуратную небольшую упаковку искажений, намеренного романтизма и самый дешевый тип пурпурной журналистской литературы».

Подробнее: https://en.wikipedia.org/wiki/Herman_Cherry